ANIMAGYC 2007: NOTA DE PRENSA Y ALGUITO MÁS...

Gabriel Quispe envía la nota de prensa de ANIMAGYC 2007, que se está llevando a cabo en distintas sedes de la capital. Datos específicos, a continuación:

Este fin de semana Animagyc 2007 continúa en el Centro Cultural de España
Del 14 de noviembre al 8 de diciembre

Tras su exitoso paso por la Alianza Francesa y el Centro Cultural Vichama, donde el público apreció, entre otros programas, la Muestra de Animación Francesa de cortos y largometrajes, el III Festival Internacional de Animación Animagyc 2007 continuará este fin de semana en el Centro Cultural de España, una de las ocho sedes donde la fiesta animada se desarrolla hasta el sábado 8 de diciembre.

En la sede hispana, el viernes 23 y el sábado 24 de noviembre, continuarán las proyecciones del II Concurso Andino de Animación, que cuenta con diecinueve obras del Perú, Colombia y Venezuela, que mantienen actualizado el panorama de la animación de la región, con el surgimiento permanente de jóvenes valores.

Al igual que el año pasado, las obras participantes compiten por el premio Autodesk M&E, y provienen de distintas fuentes, como animadores profesionales y alumnos de prestigiosas instituciones educativas, entre las que destacan la Pontificia Universidad Católica del Perú, la Escuela de Arte Digital y el Instituto Toulouse Lautrec.

En los mismos días se presentará Animagyc Mundo: el descubrimiento del ser, selección internacional de doce cortometrajes animados de España, Brasil, Colombia, Australia y el Perú, que giran alrededor de la reflexión sobre la naturaleza del ser, ya sea humano, animal o inanimado.

Sobresalen Meow, del brasileño Marcos Magalhaes, Premio Especial del Jurado en Cannes 1982; The Trumouse Show, del español Julio Robledo, Premio UIP al mejor corto europeo en Venecia 2003; y Harvie Krumpet, del australiano Adam Elliott, ganador de incontables premios, como el Oscar al Corto Animado 2004; y tres reconocimientos en el Festival de Annecy 2003, de la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica (FIPRESCI), el Premio Especial del Jurado y del Público.

También figuran obras de importantes animadores peruanos, como Hibryd: hamleteando en la retórica occidental, de Cristian Alarcón; Nasato, de Hernán Sotomayor; y Un minuto en la vida de un hombre, de Mauricio y Luis Ángel Esparza, también autores de Maravillosamente distintos, ganador del I Concurso Andino de Animación en Animagyc 2006.

Además, el Centro Cultural de España será escenario el viernes 23, a las 7:00 p.m., de una conferencia de gran interés: Diseño y fabricación digital en Arquitectura, donde se podrá apreciar el uso de la animación 3D en la arquitectura, una de las disciplinas en las que más se ha desarrollado en los últimos tiempos, la cual será dictada por Pablo Herrera, diseñador industrial y especialista certificado para la línea de productos Autodesk Inc.

Herrera es docente de las asignaturas de Visualización y Postproducción en la Facultad de Arquitectura y de la Escuela de Posgrado de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), y es miembro de reconocidas instituciones internacionales como la ACM SIGGRAPH, SIGRADI y la World Heritage Network.

Finalmente, el domingo 25 se proyectará el largometraje francés Las trillizas de Belleville, de Sylvain Chomet, uno de los autores más representativos de esa cinematografía animada, que narra una colorida historia de emprendimiento deportivo y acecho gangsteril, en medio de las calles de París y la influencia del recordado maestro Jacques Tati, cineasta favorito de Chomet.


Animagyc 2007 – III Festival Internacional de Animación
Centro Cultural de España

Viernes 23
6 p.m. Animagyc Mundo I. Selección internacional de cortos animados.
7 p.m. Conferencia: Diseño y Fabricación Digital en Arquitectura, de Pablo Herrera.
9 p.m. II Concurso Andino de Animación.
Sábado 24
6 p.m. Animagyc Mundo II. Selección internacional de cortos animados.
7 p.m. II Concurso Andino de Animación.
Domingo 25
4 p.m. Las trillizas de Belleville, largometraje de Sylvain Chomet.


Animagyc Mundo: el descubrimiento del ser
Selección de cortos que reflexionan sobre la naturaleza del ser, ya sea humano, animal o inanimado.

Animagyc Mundo I
Hibryd, hamleteando en la retórica occidental, de Cristian Alarcón. Perú, 2002. 1 minuto.
Corten, de Mario Iglesias. España, 2002. 4 minutos.
The Trumouse Show, de Julio Robledo. España, 1989. 3 minutos.
Espantapájaros, de Ale Abreu. Brasil, 1998. 10 minutos.
Meow, de Marcos Magalhaes. Brasil, 1981. 8 minutos.
Harvie Krumpet, de Adam Elliott. Australia, 2003. 23 minutos.

Animagyc Mundo II
Nasato, de Hernán Sotomayor. Perú, 2004. 13 minutos.
Un minuto en la vida de un hombre, de Mauricio y Luis Ángel Esparza. Perú, 2004. 1 minuto.
Luff Dufp, de Ingrid Ruiz y Yenny Santamaría. Colombia, 2002. 3 minutos.
Minotauromaquia: Pablo en el laberinto, de Juan Pablo Etcheverry. España, 2004. 10 minutos.
Caracol, col, col, de Pablo Llorens. España, 1995. 12 minutos.
Encarna, de Sam. España, 2003. 10 minutos.


II Concurso Andino de Animación
Cortos concursantes

After Oz, de Percy Kiyabu. Perú, 2007. Técnica: 3D.
Duración: 2’27”.

At Seven Minus Thirty, de Gustavo de la Torre. Perú, 2007. Técnica: 2D.
Duración: 2 minutos.

B&W, de Gustavo de la Torre. Perú, 2007. Técnica: 2D.
Duración: 3 minutos.

Caos, de Susana del Río Kuroiwa. Perú, 2007. Técnica: 3D.
Duración: 27”.

Correr o morir, de Cristhian Fernández Tafur. Perú, 2007. Técnica: 3D.
Duración: 1’20”.

El Elegido de la Oscuridad, de Haeckel Huauya Quispe. Perú, 2007.

El Reformador, de Héctor Puche. Venezuela, 2007. Técnica: animación de fotos.
Duración: 12 minutos.

La Guerra de las Naves, de Pablo Pimentel Arenas. Perú, 2007. Técnica 3D
Duración: 1’

Maíz, de Alfredo Velarde Mariscal. Perú, 2007.
Duración: 2’40”.

Mecanocracia, de Alí Escalante Manrique. Perú, 2007.
Duración: 4’10”


Media Naranja, de Catherine Cárdenas Tillack. Perú, 2007. Técnica: 2D.
Duración: 3’27”.

Sinapsis, de Camilo Mojica. Colombia, 2007. Técnica: Rotoscopía.
Duración: 1 minuto.

Sueños, de Susana del Río Kuroiwa. Perú, 2006. Técnica: 2D.
Duración: 3’21”.

Titiri–we, el canto de la noche, de Viveca Rose Baiz Juliac. Venezuela, 2007. Técnica: 2D y 3D.
Duración: 10 minutos.

Turn On, de Henry Gates. Perú, 2007. Técnica: 2D.
Duración: 3’30”.

Vacío, de Gustavo de la Torre. Perú, 2007. Técnica: 2D.
Duración: 3 minutos.

¿Ve viendo?, de Enrique Higueras. Perú, 2007.
Duración: 3’

Viridis, de César Amílcar Espinoza Cárdenas. Perú, 2007. Técnica: 2D.
Duración: 5 minutos.

Yawarpampa, campo de sangre, de Roberto de la Puente. Perú, 2007. Técnica: 3D.
Duración: 3 minutos.

Largometraje francés
Les Triplettes de Belleville (Las trillizas de Belleville), de Sylvain Chomet.
Francia–Canadá, 2003. Duración: 80 minutos. Cortesía de la distribuidora cinematográfica Eurofilms.
Elenco: Beatrice Bonifassi, Lina Boudreault, Michele Caucheteaux, Jean–Claude Donda, Charles Linton.
Cuando Madame Souza nota que su nieto Champion, un niño pequeño y solitario, es feliz montando bicicleta, lo somete a un riguroso entrenamiento, hasta convertirlo, años después, en un ciclista preparado para participar en la carrera más famosa del mundo en su género, el Tour de Francia. Sin embargo, durante la lid dos misteriosos hombres secuestran a Champion, ante lo cual Madame Souza y su perro fiel Bruno se proponen rescatarlo.

APRECI SE MANIFIESTA CONTRA LA CENSURA

Así manifiesta su opinión -con la cual comparto- la mencionada entidad en relación a la vergonzosa censura aplicada a The heartbreak kid, película actualmente en cartelera.

"La Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI) deplora las mutilaciones hechas por la distribuidora cinematográfica United International Pictures (UIP) a la película The Heartbreak Kid, de los hermanos Peter y Robert Farrelly, estrenada en nuestro país el jueves 1 de noviembre como La mujer de mis pesadillas.

La colocación de rectángulos negros, a manera de parches, sobre un par de escenas, constituye flagrante censura a una obra que debería exhibirse sin la menor alteración por parte de sus distribuidores, y además, es una notable falta de respeto al público, que merece apreciarla tal cual.

La mujer de mis pesadillas corresponde a un público mayor de 18 años. Sin embargo, se estrenó como si lo fuera para espectadores mayores de 14. Eso explica la escandalosa mutilación de escenas que UIP consideró impertinentes para un sector de la platea. Es decir, se estafa al público adulto, recortándole un producto que tiene derecho a ver en su integridad, y a la vez al público adolescente, al que se le atrae a ver un contenido incompleto.

La primera escena censurada es muy rápida, aproximadamente en el minuto 62 del metraje. Al interior de un salón donde, según un cartel, se bailan “danzas mexicanas folclóricas”, se aprecia a cierta distancia a un falso burro simulando penetrar a una mexicana, que está vestida. El parche oculta el supuesto falo.

En la segunda escena, en el minuto 84, el encuadre es más cerrado y explícito. En la playa, luego de sufrir el ataque de una medusa en la espalda, el personaje de Ben Stiller está echado boca abajo en la arena, su pareja se baja el pantalón y orina en la zona afectada, dejando ver en plano detalle su vagina, donde tiene un piercing. El parche, inmenso, cubre buena parte del cuerpo de la actriz.

La convicción de que el contenido y el público cinematográficos pueden tratarse como cualquier cosa, bajo criterios estrictamente mercantiles, han dado como resultado imágenes insólitamente intervenidas, controladas y disminuidas, equivalentes a un libro con páginas en blanco, tachadas o arrancadas, o a una pintura con huecos y borrones ajenos a su autor.

Así, la distribuidora United International Pictures agrega una cuota de grosería y torpeza a la cartelera local, la cual ya soporta un parche virtual de grandes proporciones, al exhibirse casi exclusivamente cintas hollywoodenses, pero ahora inaugura una suerte de “correcciones” específicas, en el interior de las obras. Se trata de un pésimo precedente que podría convertirse en costumbre si la comunidad cinematográfica y el público aficionado lo dejan pasar por alto.

Esta vez fueron censurados los hermanos Farrelly por escenas sexuales. Mañana puede ser cualquier cineasta –llámese Tarantino, Rodríguez, Kim Ki–Duk, Chan–wook Park, Cronenberg, Von Trier, Ripstein, Martel, Michael Bay, Tony Scott o Michael Moore– y por cualquier motivo. Por ejemplo, ¿se cortará Lust Caution, de Ang Lee, si es que se estrena? ¿Se mutilarán escenas gore de Juego macabro 4 o Planet Terror? En este contexto, cabe preguntarse si el próximo domingo 25 de noviembre se parcharán más películas, presentadas en una categoría ajena para atraer más espectadores, en el marco de la promoción “El Día del Cine”, que se realizará en todo el circuito de exhibición comercial por cuarto año consecutivo.

APRECI insta al Instituto Nacional de Defensa de la Competencia y de la Protección de la Propiedad Intelectual (INDECOPI), entidad que, cada vez que destruye material pirata, usa aplanadoras parecidas a la hegemónica distribución del cine norteamericano, y al Consejo Nacional de Cinematografía (CONACINE), ente oficial del cine peruano donde también están representados los distribuidores, exhibidores y el INDECOPI, a que se pronuncien sobre este abuso empresarial contra una obra cinematográfica y el derecho del público a consumir un producto tal como lo concibieron sus realizadores."

2X1: WONG TE INVITA AL CINE

Por la compra en los autoservicios WONG te haces acreedor a un volante valedero como cupón 2x1 para las entradas a cualquier función de la película "La última hora", de Leila Conners Petersen y Nadia Conners, narrada por Leonardo DiCaprio (buen gancho popular).

A continuación, el comunicado portado en el volante en cuestión:

"En WONG estamos comprometidos con el cuidado y protección del medio ambiente; por eso, le ofrecesmos la promoción de ENTRADAS 2x1 para que usted pueda ver el film "LA ÚLTIMA HORA", una película que propone alternativas para solucionar los problemas medioambientales y de calentamiento global, que afectan dramáticamente a nuestro planeta.

• Presentando este volante en la boletería paga 1 y entran 2 personas.


• Promoción válida sobre precios regulares en todos los cines y horarios donde se exhiba esta película (ver listín cinematográfico)."

Aplausos para la corporación WONG por su preocupación ambiental, asimismo ovación cerrada y de pie por promover el cine como en esta ocasión... Dos pájaros de un tiro...

FANDO & LlS (1968): MI PRIMER EXPERIENCIA BIZARRA

de Alejandro Jodorowsky




Sin premisa argumental que anteceda su visionado llega a mis manos una copia pirata DVD de Fando & Lis, ópera prima de Alejandro Jodorowsky, presta a ser totalmente descubierta por mi persona. Sin idea de lo que se cuenta, de la forma cómo, ni del contexto (el único elemento dador de información sugestiva fue la portada del estuche insinuadora de terror por mostrar a una mujer, Lis, de sombría apariencia, con el nombre "Fando" pintado en su cuerpo) me dispuse a reproducir el disco en cuestión.

Tras saltar el main menú, en la primera imagen -de golpe- una hermosa mujer yacida en una cama come una rosa como si se tratara de una actividad meditadora y necesaria, pues disfrute en sus gestos no se perciben. Como efecto instantáneo, desorbité mis ojos para prestar mayor atención a lo que estaba presenciando, una fémina masticaba una planta. A raíz de eso, desde la primera escena, pude hacerme la idea que la mujer no balanceaba sus alimentos, tampoco haría digestión ni mucho menos defecaría, o sea el orden natural de los hechos estaba alterado. Lo convencional estaba quebrado o estéril para el cometido del autor de esta pieza. Algo fuera de lo normal estaba por decir presente, y explayarse durante 90 minutos, lo que se denomina bizarro en el argot cinéfilo.

Estaba ante mí, la experiencia de mi debut bizarro, lo que estaba esperando llegó súbitamente, sin aviso ni premeditación, tenía que estar a la altura y eso quiero demostrar en este artículo, en el cual expondré mis impresiones o comentarios sobre esta película mexicana hecha por un chileno de origen judío-ucraniano (y auspiciada por la ONU, talvez): Fando & Lis, chequeada por quien escribe...

Existe una ciudad sobreviviente a la catástrofe mundana, la (fantástica) ciudad de Tar, la cual se presenta como el Edén terrenal para nuestros protagonistas, quienes se tienen solamente entre ellos mismos como soporte emocional. Lis es una paralítica (masoquista) andante en un carrito de dos ruedas y Fando un inestable pegalón ávido de compañía. Ambos durante el metraje están en la búsqueda de ese paraje desconocido y misterioso ¿Lograrán ese objetivo?

CANTO PRIMERO: EL ÁRBOL SE REFUGIÓ EN LA HOJA

De lo general a lo específico: el árbol se refugió en la hoja; la casa, en la puerta; y la ciudad, en la casa. Por eso, Lis (de niña), tenía que hacer esfuerzos para no refugiarme en sus propias manos. Lo grande seduce a lo pequeño a ser parte de este, las tentaciones terminan por coger lo débil que encuentran a su paso, provocando la perversión de los elementos añadidos y fundiéndose todo en el mal general. O, si no es el caso, buscar una salida solitaria y pujante representada en el terruño de Tar como pesquisa. Así lo enseña el padre de Fando, quien con sus respuestas optimistas al interrogatorio inquisidor de su hijo lo induce a este para encontrar salvedad en esa plaza.

"Padre de Fando (PF): Juguemos
Fando de niño (FÑ): Si eres un gran pianista y te corto un brazo, ¿que haces?
PF: Me dedico a pintar.
FÑ: Si eres un gran pintor y te corto el otro brazo, ¿qué haces?
PF: Me dedico a bailar.
FÑ: Si eres un gran bailarín y te cortan las piernas, ¿qué haces?
PF: Me dedico a cantar.
FÑ: Si eres un cantante y te corto la garganta, ¿qué haces?
PF: Como estoy muerto, pido que con mi cuerpo se fabrique un hermoso tambor.
FÑ: Y si quemo el tambor, ¿qué haces?
PF: Me convierto en una nube que tome todas las formas.
FÑ: Si la nube se disuelve, ¿qué haces?
PF: Me convierto en lluvia, y hago que nazcan las hierbas.
FÑ: Ganaste. Me sentiré muy solo el día que no estés.
PF: Si algún día te sientes solo busca la maravillosa ciudad de Tar."

Ese diálogo contextualiza las acciones dramáticas a devenirse. Tras ese 'juego', Fando y Lis inician su recorrido por los desérticos sitios que componen el mundo, sin civilizaciones existentes en todo el espacio habilitado, sólo aislados personajes enigmáticos o grupos figurativos de alguna entidad social o ideológica, como los aristócratas gozosos en escombros, quienes disfrutan de la manipulación del poder, entre otras salientes en los cantos posteriores.

"Yo moriré, y nadie se acordará de mí", entona Lis mientras Fando pronuncia que será muy triste si ella perece, asimismo añade que en su entierro acudirá con una flor y un perro, y cantará "Qué bonito es un entierro". Esto alude a la burla de la ceremonia mortuoria, a la parafernalia de un entierro (sus decorados, formas y demás) con sus elementos carentes de diferenciación, pues un muerto no cambia su condición por la calidad del marfil que se utiliza en su cripta. El cementerio es un exhibidor de poses distintas con un mismo modelo, el difunto. "Jodo" nos lo dice así, bruscamente.

CANTO SEGUNDO: Y TAR ESTABA DENTRO DE SU CABEZA.

La búsqueda aún no concluye, es más parece que siquiera inicia. La dupla protagónica está en las mismas que como empezó en lo que se refiere a cercanía del objetivo. Sus encuentros con los personajes excéntricos siguen como si se tratara de acontecimientos inevitables o motivos de un tour. Ninguno indica algún avistamiento con la meta, ni señala relación con la misma. Fando y Lis parecen descubrir recién su entorno con sus escabrosos exteriores, el mundo en su estado más vil, o sea natural, ambientado con áridos terrenos sin edificaciones ni civilizaciones que alberguen a los personajes mostrados. Estos son dueños autoproclamados de toda la extensión de sus hábitat de acción, de sus áreas de desenvolvimiento, donde son encontrados. La pareja los encuentran (o visitan) como parte del descubrimiento de su realidad y la búsqueda de la plenitud que creen adolecer.

Un ermitaño adorador de la desnudez, les dice que la determinación es el camino de la verdad. Luego, un grupo de libertinos lascivos desplegados en fango se topan en el camino de los viajeros. Para ese entonces, lo secuencial en los actos presenciados es nula, cada experiencia es nueva y no representa avance.

Analizar Fando & Lis requiere una dedicación y seso especial, el autor concede una asignación independiente no lineal a cada una de sus escenas, motivo por el cual el desenlace no es producto del pico del clímax sino porque en esos noventa y pico minutos el chileno dijo lo que quería decir en ese momento. Fando & Lis no es una historia dramática que encuentra fin por la resolución de un conflicto, aunque así se manifiesta en su inicio con la búsqueda de Tar. Eso se diluye con la mostración de la intencionalidad verídica de la obra al transcurrir las escenas, que es el palmario del mundo devastado por la exacerbación del placer visto por miradas tímidas y débiles como la de los protagonistas, quienes buscan refugio en un apartado lugar ajeno a lo tangible.

Paradójicamente, Lis como inválida (o, dígase, inestable en equilibrio) muestra invariabilidad emocional, siempre sumisa y dispuesta; en cambio, Fando como 'bidrúpedo' (igual que el resto de figurantes en el filme) goza de equilibrio al andar pero no en el comportamiento. Con esto se alude al peligro de la accesibilidad de todos los rincones del orbe cuando se tiene la facultad motor, mientras que el estático (Lis) está exento de la corrupción terrestre por tener acceso restringido a la información infecciosa.

Fando, tras el abandonar momentáneamente a Lis, (lo efímero del abandono se sugiere por lo mostrado en la toma, en la cual Fando da vueltas alrededor de Lis mientras intenta sube del pequeño cañón donde se encuentran) es protagonista en solitario de situaciones vinculadas al poder femenino conjunto, manipulador y amedrentador en situaciones límite. Ancianas jugando una partida de poker por un subyugado hombre como premio, mujeres cual batallón agresor avasallan a Fando con bolos inmensos para tirarlo y, después, azotarlo con látigo cuando yacía en piso. Circunstancias que obligan al herido protagonista a salvaguarse, nuevamente, junto a su sufrida compañera. La relación de dependencia entre ambos se manifiesta inquebrantable al final del segundo canto como imagen concluyente de los acontecimientos que lo anteceden.

CANTO TERCERO: EL HOMBRE SOLITARIO IBA SIEMPRE ACOMPAÑADO

La relación entre Fando y Lis se define en el canto anterior, es más a eso se aboca.El camino sigue y aún el transcurso descubridor está lejos de su desenlace. Travestis en tropa desfilan como caravana disfrazando del sexo opuesto a quien encuentren a su paso, a la vez que festejan con júbilo la ceremonia de transformación, acompañado de música carnavalesca propicia para los actos. Un alegato al poder convencedor de las mayorías, que en la versión que se presente trae consigo magnetismo irrefutable.

Suena el jazz. Los protagonistas juegan al fanatismo pictórico en sus propios cuerpos desnudos: Fando escribe su nombre en el cuerpo de Lis, y ella escribe el suyo en el cuerpo de Fando, como calistenia. Los cubos con pintura negra se vacían sobre la pareja y paredes de la habitación donde se desata la euforía por el juego sexual. Escena desconcertante que distrae la atención del contexto expuesto, el árido territorio fungido como camino a Tar, hacia un collage inintelegible y abruptamente montado, que no acompaña a la (in)acción dramática propuesta.

Lis es la compañía que el joven atormentado necesita para apaciguar sus fantasmas. Él anda solo con sus penas empujando el carrito que porta la moderación de sus sentimientos. Ambos buscan lo que evidentemenete carecen, y que no logran rozar siquiera complementándose.

CANTO CUARTO: Y CUANDO QUISE SEPARARME DE ELLA ME DI CUENTA QUE YA FORMÁBAMOS UN SOLO CUERPO CON DOS CABEZAS

El tambor es el objeto fetiche de Fando, el símbolo de su padre en vida y motivo de sonrisas al entonar sus notas posibles. Ya en este canto final, la dilación por la lejanía de la meta mella en desencanto, sosedad y desánimo para los viajeros azarosos. Fando, perturbado, exhibe y presume desnuda a Lis con violencia en presencia de extraños hombres con aspectos foráneos e intelectuales, quienes disfrutan su belleza analíticamente (o, dígase, de manera inusual y extraña).

Fando masacra a Lis con puntapiés foribundos; entonces, al morir ella, la dicotomía desvanece provocando inesestabilidad y degradación de la dupla como unidad. Formaban un sólo cuerpo con dos cabezas, una sola búsqueda, un sólo ideal con distintas apreciaciones de sus pasados... No llegaron a Tar, no se acercaron a su destino, ni sabían siquiera cómo, sólo empredieron un viaje con destino pero sin ruta como exploración existencial divagadora. El típico vaivén desarraigado de alguien que conoce vagamente sus necesidades, pero no sabe cómo saciarlas. La pesquisa es generalmente ese reconocimiento de plenitud, la variable se encuentra en la distinción de las formas a conseguirlas, así como la diferenciación específica de la misma necesidad general. Ejemplo: Fando y Lis tenían hambre, pero uno deseaba dulce y el otro agrio. Supongo que me entienden. Tar, como Edén terrenal, era el sitio que nunca pudieron alcanzar en vida. En cambio, muertos, Lis a golpes y Fando de depresión, se convierten en los Eva y Adán que aspiraron ser.

"Cuando su imagen se borró del espejo, apareció en el vidrio la palabra 'Libertad'", frase totalizadora del relato. Una vez sin vida no hay nada qué buscar, o sea la despreocupación o plenitud que anhelaban.
Me he tomado el espacio exigido para la mención de la mayoría de los elementos propuestos en este largo. Fando & Lis es una obra que da mucho para interpretar, y en eso creo que radica su principal desacierto, pues peca de angurriento en la vociferación de denuncias sociales o figuración de sus metáforas, apiladas una tras otra sin congruencia. Parece un catálogo de situaciones aisladas de un fin narratológico, que no muestra más que independencia entre cada acto subsiguiente. Encontrar el 'maravilloso' mundo de Tar, es el objetivo de los protagonistas, pero esto sirve -sin proponérselo- como referencia para entender que se trata de la misma película y no perdernos en los inanes añadidos a la trama, pues entre encuentro y encuentro (de Fando y Lis con los extravagantes personajes figurantes) se pierde ilación de lo que realmente se quiere contar. No cabe duda de que es una narración muy personal la del chileno, sólo que presta mayor atención en explayarse en sus sentidos figurados que en la propuesta dramática a urdir.

Aún así, esta entrega de finales de los '60 tiene con qué encantar: es apasionada, irónica, hilarante, simpáticamente patética y, lo más importante, indudablemente subjetiva y libre. Fácil denotarlo en cada plano (imagen y sonido) hecho con intención esclarecedora -diría yo-medianamente desaforada.

Los errores técnicos son notorios: empalmes bruscos en el montaje, saltos de continuidad (raccord), planos mal encuadrados, pasados por alto, por cada reseña que haya podido leer referente a este film, para atañerle etiqueta de bodrio. No pienso ser la excepción, Fando & Lis posee el encanto de la osadía y el vértigo que muchas obras ausentan, no sólo en el cine, sino en todo lo que se llama arte, cuya mayor virtud es la libertad expresiva de un autor exento de inhibiciones.

Esta película 100% doblada, por motivos de improvisación en el rodaje, en el cual no se contó con la plenitud del guión, es una joya de la cinematografía bizarra, talvez no por sus riquezas contundentes en el acabado, pero sí por su desgarrador contenido característico de un filme encasillado en este género libertino.

"Jodo" hizo su gana con Fando & Lis, este nos dice mucho a su manera excéntrica de explicar. Nosotros, los espectadores, gozamos del libre albedrío para aventurarnos a verlo a cuestas de un trago amargo tras el visionado. A eso no atenemos, y es un precio estimable a pagar, por la vivencia de una situación límite audiovisual. ¡Vaya falta que me hace!
Mi primer experiencia bizarra fue ovalada (no redonda, para los racionales), con más vistos que aspas. Es un género que atrae si quieres sacar los ojos de órbita cuando el cansancio te induce al sueño, o cualquier otra impresión no recurrente en la rutina aburguesada. A partir de hoy, no leeré sinopsis ni preguntaré: ¿de qué trata?. Simplemente, presionaré PLAY sin antecederlo con preguntas mata-intrigas... La dejo picando o dividida...

Es probable que mañana de postre apetezca una rosa...

MECAFILM: CICLO DE CINE EN LA UNI

Todos los sábados de noviembre en el aula A2-159 de la Facultad de Mecánica de la Universidad de Ingeniería del Perú (UNI) a las 6 pm el cineclub MECAFILM está llevando a cabo unas interesantes proyecciones de filmes clásicos tanto del cine norteamericano como de la animación japonesa.

La información específica en los afiches:

El pasado sábado 3 se proyectó City lights (Luces de la ciudad) del genial Charles Chaplin. La cita está hecha, acudan que el INGRESO ES LIBRE.

LA SCIENCE DES RÊVES (2006)

de Michel Gondry

Gael García Bernal (Stéphane Miroux), Charlotte Gainsbourg (Stéphanie)

Pensamientos al azar, reminiscencias del día, recuerdos pasados, sentimientos y relaciones, distracciones gozadas y pertenencias personales, son los complejos 'ingredientes' necesarios para 'preparar' un sueño según Stéphane Miroux, protagonista del filme que me dispongo a comentar: La ciencia de los sueños.

Stéphane (Gael García Bernal) regresa a París al ser contactado por su madre para un trabajo en una agencia de diseño de calendarios, el cual resulta un aburrido, soso y nada creativo oficio. Tras esa inmediata decepción conoce por accidente a Stéphanie (Charlotte Gainsbourg) y Zoé, vecina y amiga de la misma respectivamente. Este encuentro abre la posibilidad de un romance entre los vecinos, lo que sería la causante de la situación dramática en la película. La fase de enamoramiento convencional entre ambos es interrumpida y perjudicada por la distorsión de la realidad (entendido inicialmente como sueños) sufrida por Stéphane, lo que provoca conflictos, malentendidos y desilusiones.

La ciencia de los sueños trama un idilio en altibajos decorado con la retórica stop motion y ambientes oníricos pertinentes, que dan sensación de sobriedad y exactitud distante a lo melifluo y barroco dado en otras ocasiones por la utilización de los mismos elementos.

Stéphane TV es el medio que focaliza las fantasías del protagonista para alternarlas indistinta y confusamente entre fantasía y realidad, lo que le provoca más de un problema. Al inicio de la película se muestra a este medio ilusorio como producto onírico deliberado de Stéphane, quien creativo y bonachón busca expresar su intención hacedora y libertina negada en su rutina insulsa. Esto se propone de manera simpática y divertida, sin atosigar con discursos complejos de patología sicológica ni tensión dramática segregadora del público "menores de 14". Gondry urde, bajo la premisa del empleo de la fantasía, un testimonio subyugante en lo surreal, que invita a reflexionar sentidamente sobre el perdedor generador de alucinaciones catárticas, triunfales y sufridas mezclables y/o confundibles con la realidad vivencial por efecto de la explotación arbitraria de ese recurso evasor, provocando confluencia desquiciada de lo real y ficticio como de una sola línea espacio-temporal se tratara.

La ciencia de los sueños es un relato romántico, gancho propicio para la atención masiva. El francés (Gondry) plantea degradación taciturna en relación a lo proclamado en el prólogo, donde se muestra a un tímido pero simpático Stéphane que pacta tácita complicidad con el espectador, quien ve en él a su héroe de aventuras para los próximos 100 minutos y pico que dura el metraje. Esa imagen se diluye al transcurrir la cinta, pues el protagonista se devela como un insano evasor del contexto tangible, torpe y deprimente, que no emana más que lástima. Entonces, esta entrega es desengañada y melancólica, disolvente en lo emocional y progresiva en lo lóbrego, que desdibuja la fantasía de apariencia inocente para figurarla en una desventura orate lastimera contada con un ritmo mesurado, sin exabruptos, que embelesa al público introduciéndolo casi imperceptiblemente al verdadero fin de esta producción. Se emboza la intencionalidad del argumento (el perdedor desarraigado sujeto a realidades ficticias) con un distraído contexto irónico y gracioso como es la agencia de calendarios con sus pintorescos elementos (Guy, Serge, Martine), quienes son materia prima para los seudo-sueños de Stéphane.

Las características mencionadas en el párrafo anterior no son los mayores atractivos de esta entrega, pero sí los aspectos más logrados. A su vez, lo más atrayente y discutible de la cinta en cuestión es provecho del efectismo de la animación, de los decorados surreales y de la apelación a la comedia romántica, todos elementos valederos para la accesibilidad masiva del mensaje a contarse. Los términos mencionados son los que facilitan la atracción de La ciencia de los sueños como producto de consumo para una audiencia más amplia y general como lo es el público estándar "mayores de 14" .

La imagen de tenue luminosidad con colores pasteles que presenta la película aporta a que la apreciación sea somera distante a lo que se pretende con el argumento. La fotografía es clara y se mantiene con la misma tonalidad durante todo el largo, no hay paralelismo unísono entre la intención de la acción dramática diluyente con la coloración de los planos. En lo argumental, se torna lúgubre al transcurrir el relato, mientras que en lo visual se mantiene la linealidad de su propuesta inicial. Eso distrae el total entendimiento de la propuesta por no manejarse de forma constante y total en todos sus aspectos.

La receta de los sueños dictada por Stéphane al inicio de la película -y mencionada al inicio del texto- está compuesta por los elementos de la vida cotidiana que estructuran nuestra rutina, asimismo señala que las emociones en los sueños son abrumadoras como si en lo vivencial no fuera así. Entonces, desde el inicio se enuncia solapadamente la patología del protagonista, que será motor de los acontecimientos trascendentes durante el transcurso de la cinta. Fantasía y realidad, sueños y rutina están fusionados en su inconciencia.

La science des rêves (título original) es un filme de entretenimiento sumamente personal, que anima nuestra triste cartelera 99% hollywoodense. El francés plasma una alternativa habitación de cartón (o programa de TV, como se vea) que emana escapismo cobarde y desaforado a través de un tímido creador de fantasía, un Michel Gondry ficcional, a modo de álter ego...

Artículo para TAMBIÉN LOS CINERASTAS EMPEZARON PEQUEÑOS (http://pequenoscinerastas.wordpress.com)

BROKEN FLOWERS (2005)

"Esta es una crítica hecha como encargo para el blog TAMBIÉN LOS CINERASTAS EMPEZARON PEQUEÑOS (http://pequenoscinerastas.wordpress.com), en el cual se muestran el resto de críticas referentes a Jim Jarmusch publicadas en este blog, además de diversos artículos con acertado ojo crítico. Los invito a visitar ese interesante site"

Don Johnston (Bill Murray), Winston (Jeffrey Wright), Julie Delpy (Sherry), Laura (Sharon Stone), Dora (Frances Conroy), Penny (Tilda Swinton), Carmen (Jessica Lange)

Broken flowers es la primera película que vi de este autor independiente. Siempre tuve la impresión que para esa ocasión (2005) no pude sacarle el mayor provecho ni entender la intencionalidad total del universo que suele plantear. Empecé por el final, inicié el libro por el epílogo, lo cual no es lo recomendable...

Don Johnston (inexpresivamente expresivo y memorable Bill Murray) es un galán del ayer, melancólico y apático, que vive su opulenta fortuna trascurriendo los días en la mera inactividad productiva. Sherry (Julie Delpy), su compromiso de turno, lo abandona por indecisión al no saber qué quiere con su vida, ya que con Don no augura un feliz futuro.

Una vez solo y abandonado (precisa frase), Don recibe una anónima carta rosa, en la cual le informan la existencia de un hijo suyo de 19 años que aparentemente ha ido a su búsqueda. Esto no inmuta sobremanera al protagonista, quien pretende omitir el contenido del anuncio y seguir con su desganada rutina sin exabruptos. Winston (Jeffrey Wright), su único amigo, convence al ex-donjuán para que preste mayor atención a esa posibilidad y así cambie su vida, elaborando un sesudo y, hasta, disparatado plan para que el posible padre visite a las posibles madres del posible hijo en cuestión, y así conseguir pistas como fotografías, máquinas de escribir rosa o declaraciones que indiquen quién es la remitente de la anónima carta.

El primer destino del tour es un pequeño y apartado vecindario en el cual se encuentra la casa de Laura (Sharon Stone), quien es una viuda madre que junto a su libertina hija viven de forma independiente y al parecer feliz. Don no recibe respuestas en esta visita, lo cual le parece lo más normal, ya que cada cierto rato recapacita sobre la descabellada estrategia de viaje que está ejecutando.

En una comunidad residencial acomodada vive la otrora hippie y ahora conservadora Dora (Frances Conroy) con su marido Ron. La cena entre la pareja y Don es la escena más lograda de la película, una sepulcral e incómoda reunión de ambiente cargado por la rememoración forzada de un pasado no muy grato para ambos. Una experiencia dadora de nada en cuanto a la pesquisa del viajero existencial.

En el tercer destino busca a Carmen, quien es una comunicadora de animales. Ella entiende el lenguaje animal y lo traduce a sus clientes quienes asisten a su consultorio con sus mascotas para que estas manifiesten sus inquietudes. Don nunca estuvo más distante de su objetivo como en ese caso, pues Carmen es lesbiana para los suspicaces -como yo- y solamente tiene una hija de 16. No encuentra nada revelador, sólo un tímido rechazo por parte de la doctora que prefiere proseguir con sus atenciones que con la plática.

El ánimo de Don no ha variado en todo el viaje, cabe la duda si ha guardado esperanzas para ese periplo infructuoso desde un principio. Penny es la última de la lista, ella junto a dos rebeldes motociclistas viven al medio de un bosque, pantano o algo similar. Don encuentra allí una máquina de escribir rosa, más un férreo rechazo por parte de Penny, quien lo echa del lugar alterada tras la pregunta acerca de la existencia de un hijo suyo. Él sería coaccionado a acabar con la visita, asimismo con el cuestionario, al ser golpeado por uno de los rufianes.

Michelle Pepe es la única amante de esa temporada en la vida de Don que ya no está con vida. Su visita al cementerio es un capítulo generalizador en la historia, pues como todo muerto ella es incapaz de comunicar 'algo'; ese 'algo' que Don buscó en todo su viaje y que no encontró. Es así, entonces que la escena del cementerio es similar a las anteriores, ya que la nulidad en resultados es equiparable a las demás.

El viaje no resuelve nada, asimismo no se descubre nada en él, pero Don no tiene la misma animosidad de su partida. Sale despreocupado y casi impulsado por el estado zombie en busca de vida que lo caracteriza; en cambio, regresa sugestionado por la posibilidad de que cada joven con las características descritas en la carta sea su posible hijo. Está optimista por el encuentro con ese ente complemento para su vida. El viaje lo realizó con la intención de encontrar eso que le hace falta, esta vez representado con la posibilidad de ser padre. Johnston en su rostro no lo expresa así, lo cual da la impresión de desesperanza a la vuelta de su tour, pero sus actos demuestran una contrariedad apenas distinguible, lo que provoca una encantadora ambigüedad en el personaje.

El contraste entre los dos amigos, Don y Winston, propone la analogía pretender : ser. Don es tan abúlico con su pesquisa como Winston vivaz en su plenitud; se plantea polos opuestos para dar notoriedad a lo propuesto.

La alegre música etiope es la ambientadora de las acciones en los momentos de tránsito del protagonista, se apela a esto como indicador de invariabilidad en la emoción de Don mientras se traslada de un lugar a otro. Asimismo, la música en cuestión, como lenguaje de las emociones, difiere de la emotividad del protagonista, lo que le atañe un humor voluntario a los acontecimientos por el contraste entre lo real ( el estado de ánimo del personaje de Murray) y lo pretendido (la estéril intención de alegrar su travesía mediante la música).

Broken flowers es irónica, y sustancialmente graciosa, por lo que representa Don como personaje: un cuasi alma en pena buscando una última oportunidad de volverse tangible. Bill Murray con esta interpretación llega al tope de sus posibilidades por la perfección encajada entre lo real y lo ficticio. Murray es visto sin esfuerzo como Don Johnston, un tipo desobligado y melancólico, que hace esfuerzos propuestos por terceros para ubicar el sabor en su insulsez.

Broken flowers es la entrega más accesible de este autor por varios motivos: su reparto lo componen famosas estrellas de Hollywood, fue publicitada, falsamente, como la comedia del año (2005), además fue ganador del Gran Premio del Jurado en Cannes, evento cada vez más mediático, etc.

Jarmusch se vuelve masivo, 'accesible' y convencional, hay elementos que parecen indicar designio para esa condición actual. Particularmente, no tengo prejuicios ni malestares en relación a eso, pues su cine sigue siendo el portavoz de la contemplación y el palmario de quien no todos consideran, ya sean estos pobres o ricos, blancos o negros y/o asesinos o sumisos. Ellos son la materia prima del indie, los que todos miran de reojo...

Me es difícil determinar si he podido exprimirla en su plenitud, siento una similar sensación a la de dos años atrás, a diferencia de haber encontrado mayores virtudes que en aquella oportunidad. Y es el cine de Jarmusch es el mostrador de su mirada del mundo, libre y desapasionada, como la de todo artista que se precie de serlo debe plasmar en sus producciones. Tal vez dentro de dos años o dos días ubique nuevos elementos que me fueron negados en esos entonces, porque el cine del estadounidense se presta para nuevos descubrimientos tras cada visionado . Jarmusch se abre como una flor rota para ser descubierto, su obra nos lo permite...

COFFEE AND CIGARETTES (2003)

de Jim Jarmusch

Hablar del largometraje Coffee and Cigarettes como unidad es citar al Jarmusch de distintas etapas dentro su propia obra, pues este es un compilado de 11 cortometrajes filmados durante esas etapas diversas, específicamente los tres primeros.

Esta producción estrenada como largo en el 2003 es el regreso del estadounidense a sus orígenes como autor contemplativo, de la sátira extravagante, del minimalismo pertinente, de la pulcritud audiovisual, y (sobre todo) de la libertad expresiva y hacedora.

I. Coffee and Cigarettes I es el primer cortometraje llamado Strange to meet you (Raro en conocerte) filmado en 1986 que está protagonizado por Roberto Benigni y Steven Wright. En sus aproximadamente 6 minutos de duración se planta una extraña conversación entre dos tipos casi desconocidos en un bar de mala muerte, donde sólo consumen café y cigarrillos como acompañantes de su hilarante plática. Steven le brindaría a Roberto su cita con el dentista para finalizar así ese inusual relato exento de dramaturgia pero excéntrico e inquietante.

Stranger to meet you se ubica entre Stranger than paradise y Down by law. Se entiende, entonces, el "retorno" de la cámara fija, los contraplanos constantes y los empalmes secos en una obra de publicación bastante posterior a las antes mencionadas, pero elaborada en cierta temporada en cuestión (1986). Los ángulos de encuadre son normales o convencionales, a excepción del cenital mostrador de las tazas de café y cigarrillos en la mesa decorada como si de un tablero de ajedrez se tratara.

II. Twins (Gemelos) es el título de Coffee and Cigarettes II, realizada en 1989 se ubica cronológicamente en la obra jarmuschiana entre Down by law y Mistery train. Es el punto de quiebre u obra suspensiva de la era B/N para entrar a la temporada cromática de relatos episódicos contados con repartos numerosos, buscando universalidad en el mensaje. Propios de esa línea son Mistery train y Night on earth.

Joie y Cinqué Lee se encuentran en un café de Memphis fumando y bebiendo, luego son interrumpidos por un extrovertido mesero (Steve Buscemi), quien cuenta su ridícula teoría acerca del hermano gemelo de Elvis a pesar de no ser bienvenido por los hermanos. Una comedia dada a entender por los parlamentos disparatados del mesero, que es ambiguo por su cuestionable cordura y verosimilitud.

III. Iggy Pop y Tom Waits son los protagonistas de Coffee and Cigarettes III. Su capítulo se denomina Somewhere in California (En algún lugar de California) y fue filmado en 1993, entre Night on earth y Dead man. Éste marcaría el retorno al B/N, aunque distante de la intencionalidad estática que caracterizaba su puesta en escena fotográfica, pues Somewhere in California se asemeja a sus antecesores y es fiel al estilo que Jarmusch había marcado hasta ese instante.

Ambos músicos se dan cita para una conversa afín a sus gustos, pero en esta hay discrepancia y conflicto pasivo lo que no permite prosperar el diálogo. Tanto Iggy como Waits están solventes y expresivos en sus interpretaciones, los contraplanos cerrados en Primer Plano (PP) brindan protagonismo a sus gestos de desazón e inconformidad. Uno de los más logrados de los distintos diálogos presentes en la cinta. Este es el último cortometraje que el autor filmó independientemente.

IV. El café y los cigarrillos son dañinos para la salud, Those thing's kill ya (Estas cosas te matarán) está abocado a vociferarlo.

Joe Rigano y Vinny Vella son un par de ancianos cascarrabias adictos a la cafeína y al tabaco, respectivamente. Ellos se incriminan sus adicciones con verbosidad vulgar sin reparo alguno. Vinny Vella Jr. llega en silencio para pedirle dinero a su padre y así saciar su antojo. El niño es adicto a las golosinas refinadas, él no habla mucho a comparación de los viejos pero igual está expuesto al apego del consumismo exagerado... Los vicios dañinos no discriminan.

V. Renée es insustancial y sumamente innecesaria. Renée French se interpreta sí misma como una cliente sufriente de un incómodo camarero (E.J. Rodriguez) que la interrumpe e incomoda en diversas ocasiones sin motivo justo. La interpretación de la French es gestual y casi mímica, en cambio la de Rodriguez es absurda en la proliferación de la palabra impertinente. Es el capítulo que recurre en mayor medida al cenital para mostrar la distracción de Renée: un magazine.

VI. No problem (No hay problema) devela en sus parlamentos la idiosincrasia curativa -y prejuiciosa- del ser humano, la apelación de la empatía y a lo sobreentendido de manera suspicaz para situarnos en una circunstancia no explicada. Alex (Descas) cita después de mucho tiempo a su amigo Isaach (de Bankolé), el primero está desanimado y alicaído lo cual provoca sospechas en el citado, quien piensa que ha sido recurrido en busca de ayuda. Alex desmiente esa intención en varias ocasiones, pero Isaach es renuente a esa afirmación y sigue preguntando por el supuesto mal que aqueja a su amigo. En ese conflicto de negación y terquedad se dilucida este fragmento de la obra, el más epidérmicamente torpe y hueco, a pesar de ser uno de los más críticos y apreciables.

VII. Cousins (Primas) es el más logrado en lo que a interpretación actoral se refiere. Cate Blanchett está impecable y sobresaliente en su doble papel de las primas que se reencuentran después de dos años. Una es exitosa periodista además de celebridad y la otra una desafortunada y excéntrica joven libertina, ambas se reúnen en un corto rato en el cual se marcan notorias diferencias socio-económicas y culturales entre ellas. El típico contraste entre el éxito y el fracaso, la buenaventura y la envidia.

Los contraplanos permiten lucir la performance histriónica de Blanchett, en un papel resaltante y digno de mención aparte. Tanto en la dicción como en la postura se difieren ambos personajes perfectamente contrarios. El capítulo más extenso en duración, asimismo el más informativo y explícito en su intención.

VIII. Una rareza metafórica casi fuera de órbita, Jack shows Meg his Tesla coil (Jack muestra a Meg su bobina de Tesla) acuña surrealismo figurativo en una entrega que está al límite de lo ridículo y verosímil. Jack (White)es un inventor seguidor de Nikola Tesla, quien "percibía la Tierra como un conductor de resonancia acústica". Tras esa premisa -a priori inintelegible para el común mortal- elabora un transformador de voltaje, que pondrá en ejecución como muestra para Meg (White). El transformador (bobina) fracasa en su demostración por motivos que Jack desconoce, pero que Meg sí entiende. El hombre sorprendido se retira a reparar la falla de su creación detectada por la mujer.

Este pedazo de lirismo estrafalario indica la aprensión de los métodos más inusuales a través de una breve introducción o clase. El empirismo no atañe a todos los quehaceres, ni las bobinas se hacen y reparan con sólo el empleo de la vista. Unas indicaciones instructoras son bien recibidas para fortalecer y engrandecer el bagaje y la experiencia.

IX. Aprovechamiento e hipocresía son los temas del mejor episodio de Coffee and Cigarettes, Cousins? (¿Primos?), en el que Alfred Molina y Steve Coogan hacen uso del recurso de la sonrisa embozada de interés para crear un ambiente irrisorio latente en explosión del disgusto definitivo y veraz. Alfred carente de fama le muestra un árbol genealógico a Steve en el cual se indica -por innumerables ramas- que ambos son parientes. Con ese ardid Molina pretendía apego a la fama actual de Coogan, quien rechaza ese hecho por considerarlo incoherente e imposible, aunque diga al inicio que cree en ese disparate.

Molina recibe un llamada de su amigo Spike Jonze provocando interés en Coogan; este es rechazado por Alfred al pedirle el contacto. Ambos en sus intenciones de relaciones públicas convenidas fracasan.

Jarmusch satiriza la conveniencia de los contactos e influencias en el círculo de Hollywood, donde entre ellos se cazan como presas potenciales en uso y aprovechamiento. Un simple número telefónico es motivo de persecución y elaboración de excusas absurdas para conseguirlo. Coogan es británico y Molina inglés de descendencia ítalo-hispánica; demostración del largo alcance enfermizo del poder y la fama.

X. Delirium (Delirio) es cansado y repetitivo, aporta poco o nada al global. Vocifera el daño que causa la cafeína y el tabaco ya dicho con mejor tino en Those thing's kill ya. Los raperos GZA y RZA (haciéndola de médico) con un desubicado, pero siempre atractivo, Bill Murray son los protagonistas de este penúltimo párrafo audiovisual. Aquí se divaga en la pretensión cómica e irónica y el mensaje salubre. Este último se entiende por lo explícito de los parlamentos, pero el humor es tosco aunque efectivo.

Si bebes tanto café como para delirar y fungir de mesero en un bar de suburbio siendo una estrella de Hollywood, entonces es propicio dejarlo...

XI. "Champaña: el néctar de los dioses", dice Taylor (Mead) al brindar con café pretendiendo una pose altanera. Champagne (Champaña) es el epílogo de Coffee and Cigarettes, en la que dos ancianos (Taylor Mead y Bill Rice) en su receso del trabajo beben libremente durante los 10 minutos que tienen para hacerlo. Están longevos y tristes, una siesta de 2 minutos por parte de Taylor es el último recurso que le queda para salir de su opresión desgastadora. Oye tristeza en canciones ambientadoras y percibe desánimo en la soledad de su contexto.

Coffe and Cigarettes puede resultar cansada y aburrida si se observa con las pretensiones incorrectas. Quien busca contadores de historias, de dramas pasionales o aventuras trepidantes están en manos del autor incorrecto. Jarmusch se vanagloria de su capacidad para los diálogos subyugante en lo contemplativo, nos sumerge en un mundo donde sabes que los códigos no son los convencionales, sino que se precisa una interpretación de ironía mordaz y humor excéntrico.

Su noveno filme confluye sus componentes de siempre nuevamente en estado primario: la cámara fija, el B/N, el diálogo predominante como banda sonora, el minimalismo en la puesta en escena, etc. Jarmusch retoma la esencia de Stranger than paradise y Down by law para pergeñar una entrega sobre diferentes situaciones, todas sin una organización lineal que las acomode como carácter sistemático de los acontecimientos... El indie de los ochentas da su vuelta por el nuevo milenio...

GHOST DOG: THE WAY OF THE SAMURAI (1999)

de Jim Jarmusch

Forest Whitaker (Ghost dog)

Una vista panorámica desde la perspectiva de un pájaro en vuelo inicia la más confluyente obra de este notable autor (independiente) estadounidense. En Ghost dog: The way of the samurai se dan cita diversos elementos de diversas culturas, contextos y épocas que no guardan estricta relación. Esto ambientado nuevamente en los suburbios, condición predilecta de Jarmusch, donde el furtivismo y la supervivencia urbana se acentúan.

Un hombre misterioso, criador de palomas mensajeras y lector seguidor del Hagakure (obra literaria inspirada en el código Bushido -entiéndase para samurais- que exigía lealtad y honor hasta la muerte para sus partidarios) es un efectivo asesino a las órdenes de una 'familia' de Mafia ítalo-americana. Él responde a las escrituras del antiguo libro japonés como manual de acción ético, asimismo rinde honor al hombre que salvó su vida en una ocasión, quien lo utiliza como sicario experto. Ghost dog (espléndido Forest Whitaker), como se hace llamar, al ser traicionado por la 'familia' a quienes sirve no decide vengarse sino defenderse atacando, siguiendo las bases aprendidas del código: pensar siempre en la muerte, considerarse muerto; ver el mundo como un sueño; identificarse para andar sin poses, así como plantear fijamente objetivos sin temor; aligerar los problemas y agravar lo superfluo; adecuarse a las circunstancias; extraer lo mejor de épocas pretéritas para hacerlas fructíferas en el presente; etc. Todo un festival de mensajes metafóricos apelantes a la conducta de un guerrero honorable.

La película argumenta el arraigo de la conciencia, el conocimiento introspectivo puro, exento de ambiguedades e inconcordancias. Ghost dog en su condición de asesino a gusto reafirma su condición en diferentes pasajes sin una mínima expresión timorata. Él sabe, gracias al Hagakure, que para tentar novedades, dimensiones distintas y desconocidas debe empezar por la concresión de la identidad, desdeñando la mudanza de plazas como búsqueda reveladora de motivaciones. Este es un enunciado permanente en el cine jarmuschiano, dicho con más ímpetu en sus primeros trabajos, como en Permanent vacation cuando Allie busca transportarse para encontrar arraigo y conocimiento de sí mismo en algún lugar específico, o en Stranger than paradise cuando la búsqueda del paraíso por parte del trío protagónico (Willie, Eddie, Eva) es infructusa. También, se muestra la desilución de lo repititivo y soso en Down by law y Mistery train, en cuanto a Night on earth y Dead man la paradoja del "movimiento estático" y el transtorno vivencial. Todo esto emitido bajo la premisa e inquietud universal del cineasta: el conocerse a sí mismo bajo cualquier circunstancia, siempre en los suburbios y ambientes olvidados; contexto preferido y adecuado para la narración de sus glosas.

Ghost dog: The way of the samurai es la del tempo más distraído de los siete filmes ficcionales antes hechos por el indie, es la más fácil de consumir por las masas por su argumento fijamente determinado a la intriga y a la progresión emotiva. Existe un objetivo expectante que atrapa al espectador común afín a los policiales y películas de acción, que es bien hilvanado con las ya características conversaciones fluidas a la vez de desconcertantes que marcan el sello del autor.

Las diversas citas del Hagakure puestas como carteles indican la acción a devenirse, nos prepara para el movimiento a realizarse por parte del asesino. Ghost dog cree conocerse por las bases dadas por el libro japonés, en aquel encuentra identidad y posición, pesquisa permanente de los personajes jarmuschianos, lo cual trae al ruedo en el cine de Jarmusch una nueva forma de tratar su premisa básica. Ya no en buscar conocimiento y plenitud en la búsqueda de lugares, sino a raíz del individuo disperso de dudas y ambiguedades palmar la perspectiva del hombre logrado firme a su fe y convicción. Es un alegato a la credulidad de las ideologías o a cualquier otra forma manifestadora de conductas como recursos valederos si es que se anhela ese fin.

La TV es emisora de absurdos y banalidades de lo más prescindibles. Divertimento retrógrada de los 'malos' (los mafiosos) e inocentes (la hija del jefe). Así lo hace ver Jim en las esporádicas apariciones de una TV, que sólo muestra dibujos animados bizarros y ridículos. Una cucharada de sátira y punto de vista radical siempre enunciado en sus producciones, como también la utilización del recurso irónico. En esta entrega, el personaje haitiano que funge como heladero, y que sólo habla francés, se entiende a la perfección con el sicario, que sólo habla inglés. Los omitidos u olvidados se expresan bajo el mismo código no verbal, enténdiendose sus mensajes e inquietudes sin haberlo expresado. Ghost Dog y el heladero hablan de lo mismo sin percatarse de ello.

El hip-hop es lo que suena como banda sonora de la película, ya sea por sonidos off dados por el montaje, porque Ghost dog la programe para su disfrute, o porque en los ambientes libres como parques o calles sus transeúntes la interpreten con pura improvisación. El hip- hop suena no con mayor pretensión que de brindarle sonido negro al filme, sonido de los marginados, de los excluídos en una sociedad racista renuente a la autocrítica. Ghost dog: The way of the samurai es una película de los suburbios, sobre los suburbios y dedicado a los suburbios, o mejor dicho sobre los apartados... los que pocos toman en cuenta.

Jarmusch a estas instancias ha descuidado la importancia de la fotografía, que tanto había empleado en la denotación de sus acabados. Ahora es movediza, desinteresada del cromatismo y tonalidad, y convencional en la composición. Algunas variantes había señalado en Dead man, en relación a la composición (encuadre y movilidad) y duración de sus tomas; pero en éste, su octavo film, difiere de la intencionalidad que le daba a sus encuadres cerrados con cámara fija. En Ghost dog: The way of the samurai da preponderancia a la intencionalidad argumentativa brindada por el eje central del relato, el asesino Ghost dog, que a la poder codificador de la fotografía.

Sin embargo, esto no afecta sobremanera en la impresión final de esta entrega. Personalmente, la más entretenida de su filmografía. Ghost dog, el asesino, liquida a sus amenzantes como consecuencia intrínseca de la guerra, asimismo en el desenlace es muerto por Louie, persona a quien honró en vida el sicario, que cobra vengaza por la aniquilación casi total de su 'familia'. Ghost Dog muere complacido por su vida fiel a su régimen, pero Pearline, una niña con quien entabló amistad, recibe el legado del samurai pistolero. Ghost muere, sí, pero el Hagakure sigue vociferando sus lecciones para una vida de honor y lealtad; de reconocimento, enraizamiento y direccionalidad para enrumbar.

"El final siempre es importante", dice en sus páginas el Hagakure, mas aún si da inicio a algo más... Pearline así lo siente...

PROGRAMACIÓN DEL FESTIVAL EUROPEO

"Hace días se dio a conocer la lista de títulos a exhibirse en el marco del 19 Festival de Cine Europeo que se llevará a acabo entre los días jueves 5 de octubre y domingo 11 de noviembre. En esta ocasión la programación en sus distintas sedes es el motivo del post..."

FILMOTECA PUCP - Centro Cultural PUCP

Av. Camino Real 1075, San Isidro

Jueves 25:

Europa Europa – 4 p.m.

El valle de Abraham – 6 p.m.

25 Grados en invierno – 8 p.m.

Camarero – 10 p.m.

Viernes 26:
Fimfárum II – 4 p.m.
Soldados de Salamina – 6 p.m.

El viento que agita la cebada - 8 p.m.

25 Grados en invierno – 10.15 p.m.

Sábado 27:

Fimfárum II – 11 p.m.

Camarero – 4 p.m.

Obras en casa – 6 p.m.

Yella /(Corto: Tráfico)– 8 p.m.

Iberia – 10 p.m.

Domingo 28:
La carta – 3.45 p.m.

El viento que agita la cebada – 5.45 p.m.

Recuerdos de la casa amarilla – 8 p.m.

Después de medianoche – 10 p.m.

Lunes 29:

Cada uno calla algo – 4 p.m.

Agua con sal – 6 p.m.

Magonia – 8 p.m.

Yella – 10 p.m.

Martes 30:

A flor de piel / (Corto: El baile) – 4 p.m.

7 Vírgenes / (Corto: Sibiu) – 6 p.m.

Después de medianoche – 8 p.m.

Magonia – 10 p.m.

Miércoles 31:

Hasta pronto – 4 p.m.

La carta – 5.45 p.m.

La vida que sueño – 8 p.m.

El juego de Zucker – 10.15 p.m.

Jueves 1:
Kirikou y la bruja – 11 a.m.

Noveno día – 4 p.m.

Hasta pronto – 6 p.m.
El juego de Zucker – 8 p.m.

Jugándose la vida a los dados – 10 p.m.

Viernes 2:

El bosque animado – 4 p.m.

La vida que sueño – 6 p.m.

Café Electric – 8.20 p.m.

Cuatro minutos – 10 p.m.

Sábado 3:

El bosque animado – 11 p.m.

Hermanas ante la ley – 4 p.m.

Cuatro minutos – 6 p.m.

Jugándose la vida a los dados – 8 p.m.

Non o la inútil gloria de mandar – 10 p.m.

Domingo 4:

El valle de Abraham – 4 p.m.

Hermanas ante la ley - 6 p.m.

Peppermint – 8 p.m.

La traición – 10 p.m.

Lunes 5:

Sol negro /(Corto: Tráfico) – 4 p.m.

Café Electric /(Corto: Sibiu) – 6 p.m.

La traición – 8 p.m.

Un hombre sin pasado – 10 p.m.

Martes 6:

Acantilados de arena – 4 p.m.

Las hermanas enfadadas – 6 p.m.

Juha – 8 p.m.

Peppermint – 10 p.m.

Miércoles 7:
Un hombre sin pasado – 4 p.m.

Dinamita – 6 p.m.

Acantilados de arena – 8.15 p.m.

Las hermanas enfadadas – 10 p.m.

Jueves 8:

Recuerdos de la casa amarilla – 4 p.m.

Sol negro – 6.15 p.m.

Una víbora en el puño – 7.45 p.m.

Dinamita – 9.45 p.m.

Viernes 9:

Kirikou y la bruja – 4 p.m.

Malos perdedores – 6 p.m.

La doble vida de Verónica – 8 p.m.

Una víbora en el puño – 10 p.m.

Sábado 10:

Noveno día – 4 p.m.

Hermanas ante la ley – 6 p.m.

Non o la inútil gloria de mandar – 8 p.m.

Malos perdedores – 10 p.m.

Domingo 11:

Obras en casa – 4 p.m.

Iberia (El baile) – 6 p.m.

Cinco días, cinco noches – 8 p.m.

Agua con sal -10 p.m.

Ventana Indiscreta Cine Arte ULima

Av. Javier Prado cdra. 46 Monterrico

Jueves 25:

Peppermint – 4.30 p.m.

El juego de Zucker – 7.30 p.m.

Viernes 26:

Cuatro minutos – 3 p.m.

Lunes 29:

Malos perdedores – 12 m.

Dinamita – 4.30 p.m.

La vida que sueño – 7.30 p.m.

Martes 30:

Iberia – 12 m

Jugándose la vida a los dados – 4.30 p.m.

Hermanas ante la ley – 7.30 p.m.

Miércoles 31:

Camarero – 12 m.

25 Grados en invierno – 4.30 p.m.

El viento que agita la cebada - 7.30 p.m.

Viernes 2:

Después de medianoche 12 m.

Magonia – 4.30 p.m.

Yella – 7.30 p.m.

Lunes 5:

La carta – 12 m.

Recuerdos de la casa amarilla – 4.30 p.m.

Una víbora en el puño – 7.30 p.m.

Martes 6:

Noveno día – 12 m.

Café Electric – 4.30 p.m.

Hasta pronto – 7.30 p.m.

Miércoles 7:

7 Vírgenes (Tráfico) – 12 m.

Soldados de Salamina – 4.30 p.m.

Non o la inútil gloria de mandar – 7.30 p.m.

Jueves 8:

La traición – 12 m.

Juha (El baile) – 4.30 p.m.

Cinco días, cinco noches – 7.30 p.m.

Viernes 9:

El valle de Abraham – 12 m.

Sol negro (Sibiu) – 4.30 p.m.

Acantilados de arena – 7.30 p.m.

Centro Cultural de España

Plaza Washington, Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz

Jueves 25:

Una víbora en el puño – 5 p.m.

Viernes 26:

Magonia – 5 p.m.

Domingo 28:

Un hombre sin pasado – 7 p.m.

Lunes 29:

Las hermanas enfadadas – 5 p.m.

Martes 30:

Peppermint – 5 p.m.

Miércoles 31:

Dinamita – 5 p.m.

Jueves 1:

El bosque animado – 5 p.m.

Viernes 2:

La doble vida de Verónica – 5 p.m.

Sábado 3:

Obras en casa – 5 p.m.

Domingo 4:

Fimfárum II – 5 p.m.

Universidad del Pacífico

Av. Salaverry 2020, Jesús María

Miércoles 24:

7 Vírgenes 5.30 p.m.

Jueves 25:

Non o la inútil gloria de mandar – 5.30 p.m.

Viernes 26:

Obras en casa – 1.30 p.m.

Martes 30:

Malos perdedores – 1.30 p.m.

Miércoles 31:

Noveno día – 5.30 p.m.

Martes 6:

Ariadni – 1.30 p.m.

Miércoles 7:

Europa Europa – 5.30 p.m.

Jueves 8:

Soldados de Salamina – 5.30 p.m.

Viernes 9:

La traición – 1.30 p.m.

Universidad Nacional Agraria La Molina

Av. La Molina s/n La Molina

Jueves 25:

Obras en casa - 1.30 p.m.

Jueves 8:

7 Vírgenes – 1.30 p.m.

Goethe Institut

Jirón Nazca 722, Jesús María

Lunes 29:
El noveno día

Martes 30:
Cada uno calla algo

Alianaza Francesa Miraflores

Av.Arequipa 4595, Miraflores

Lunes 29:

Europa Europa – 7 p.m.

Lunes 5:

Iberia – 7 p.m.
Jueves 8:
El valle de Abraham – 7 p.m.


Alianza Francesa La Molina
Av. Javier Prado Este 4091

Viernes 9:
Noveno día – 6.30 p.m.

Vichama – Centro de Arte y Cultura

Sector 3, Grupo 21, Mz. E Lote 8 Villa El Salvador

Lunes 5:
Kirikou y la bruja – 3 p.m.

Magonia – 5 p.m.

Miércoles 7:
A flor de piel – 3 p.m.
Obras en casa – 5 p.m.

Viernes 9:
El bosque animado – 3 p.m.
Soldados de Salamina – 5 p.m.

Cine Club Cajamarca

Jr. Belén 631, Cajamarca

Jueves 25:

Iberia – 8 p.m.

Jueves 1:
Obras en casa - 8 p.m

Jueves 8:

Europa Europa – 8 p.m.