DEAD MAN (1995)

"Aquí unos de los tantos artículos que comparto con mis amigos cinerastas. Éste será publicado en su site TAMBIÉN LOS CINERASTAS EMPEZARON PEQUEÑOS (http://pequenoscinerastas.wordpress.com)

Blog de periodicidad semanal que contiene en todas sus ediciones interesantes artículos críticos y ensayísticos...Visítenlo..."

de Jim Jarmusch

Johnny Depp (William Blake) y Gary Farmer (Nobody/Nadie)

El western se hace presente en el cine de Jarmusch en su sexta entrega, en la cual regresa al B/N para atañerle atmósfera moribunda, lúgubre y fatalista. Dead man muestra malaventura inevitable exenta de vivacidad (cromática) por los elementos elegidos para la narración: hombres desaliñados y hoscos, ambientes áridos, entes misteriosos surreales, etc.

Es una película existencialista, prodiga de lirismo y parodia, que no juzga pero sí usufructúa los componentes del western convencional como la ambiguedad de las personalidades de ‘buenos’ y ‘malos’, la confusión de sus objetivos, la errancia de sus cuerpos, etc.

William Blake (Johnny Depp) es un sumiso contador oriundo de Cleveland que se dirige al pueblo de Machine en busca de trabajo, ese lugar está gobernado por el libertinaje de individuos ejecutivos de la fuerza bruta, tierra de nadie donde las balas mandan. Allí tras asesinar al hijo del hombre más poderosos de dicha zona en una reacción defensiva terminaría siendo perseguido por todo aquel que quisiera cobrar la recompensa por su cabeza. En su huída entablaría una extraña relación amistosa con un indígena llamado Nadie, personaje enigmático y espiritual, quien confunde al contador con un poeta ya fallecido, además de sanear el cuerpo y enrumbar el alma del mismo, para darle un nuevo sentido como poeta de la sangre, como asesino.

Dead man retrata la transformación del individuo obligado por la situación límite. Somos lo que nuestro entorno nos hace, lo que las circunstancias nos imponen a ejecutar; por eso, podemos pasar de ser un desempleado esperanzado a una leyenda temeraria si las eventualidades así nos lo exigen.

Jarmusch con esta producción difiere de sus anteriores trabajos en gran medida; no en su estilo narratológico siempre lineal, sino en el tratamiento fotográfico con planos más abiertos dotados de mayor movilidad, en la utilización más constante de los efectos sonoros-musicales, y principalmente en la esquematización base de la propuesta, como la exploración del western clásico para contextualizar los acontecimientos. El autor sigue recurriendo a la sátira para la desfiguración de convenciones, la exageración de situaciones y la apelación de lo onírico no abstracto, pero en esta ocasión con clave casi irreconocible urde una entrega distinta pero igual de apreciable. En sus filmes anteriores (Down by law y Night on earth) cuenta con relatos episódicos, repartos numerosos y manejo mesurado del color que ya parecían marcas indisolubles de su obra, lo que provoca una impresión confusa por la tergiversación de las características de su obra, ‘renovación’ que suele disgustar.

La película delira al transcurrir los minutos, connota metáforas forzadas en cada intervención del indio Nadie, buscando la exigencia decodificadora del espectador; mientras William Blake, transformado en el liquidador de sus amenazas, es nómada en su misma existencia. No tiene rumbo fijo propio sino el propuesto por el indígena: el “espejo” (lugar en que “el mar se cruza con el cielo” y –según Nadie- proveniencia del espíritu de Blake, a quien cree muerto).

William Blake en una canoa marítima empieza su último viaje hacia “el espejo”. Él está moribundo, porque logra ser herido de bala por uno de sus tantos cazadores, y sólo espera que su aliento final lo haga expirar. Nadie, el indio, muere junto a Cole Wilson (el principal acechador del de Cleveland) en un tiroteo a quemarropa; esa acción violenta es la última que presencia William mientras se introduce en el área oceánica. El indio, sus cazadores y el cazado finalizan sus vidas en esa escena totalizadora y concluyente. Desde el inicio de la película, William Blake es advertido de muerte por el misterioso fireman del tren con quien habla, además que el título del film, Dead man (Hombre muerto), sugiere explícitamente fatalidad también... Fatalidad que se percibe en cada movimiento de cámara, en cada ambiente, en cada gesto, en cada sonido, en cada parlamento no sólo por parte del protagonista ni contra el mismo, sino contra quien se inmiscuya en el asunto. Y así finaliza el cuento, con la aniquilación de los últimos involucrados... Panorama funesto que cierra este mostrador de situaciones transformadoras de realidades, modificadoras de conciencias y moldeadoras de eventualidades inmediatas.

La banda sonora estuvo a cargo de Neil Young, quien con sus tonadas rústicas de guitarra da sonido a la mayor parte de las escenas. Músico admirado por el cineasta, en quien se basaría su siguiente film y único documental de su filmografía: Year of the horse.

Dead man es la oveja negra (ficcional) de la obra del estadounidense; como ya he mencionado, muestra innovación en su propuesta audiovisual, además de atribuirle género fijo e indiscutible a una entrega suya. Ya no es drama-comedia—humor negro –etc. como son las etiquetas que suelen atribuirle a sus obras, Dead man es un western no convencional, pero western al fin; muy personal, sugerente y extremadamente metafórico, lo cual es bienvenido en cualquier autor, que pueda imprimir su visión del mundo en cada texto emitido.

Jarmusch regresó al B/N para entregar su producción más oscura en lo argumental. Es la única con desenlace trágico de toda su lista de realizaciones, tragedia que motiva a la reflexión vaga sobre en qué nos convertimos cuando la situación nos exhorta a la compulsión hasta cierto grado desmedida. Tenebrosidad y realismo sobre el punto de vista del indie acerca de los improvisadores y desarraigados... los muertos en vida.

LONG KHONG (2005)

de Pasith Buranajan y Kongkiat Khomsiri

El arte del diablo (título en castellano) llega a nuestra cartelera etiquetado de divertimento adolescente para un fin de semana ávido de exaltos efímeros... La típica película 'chongo' antesala de la borrachera, la calistenia eufórica para el "¡salud!" más desinhibido. O sea, en efecto, una banal distracción descontextualizada de su fin. El arte del diablo está hecha para sufrirla: nos señala como voyeuristas superlativamente morbosos, asimismo de imponernos la condición de testigos inocuos de la coprolalia torturadora más insana, haciéndonos tangir el desgarro de las débiles voluntades fungidos por un desalmado juez(a) . El film centra su pretensión en el manejo impúdico de la malintención, en el palmario de la sordidez desbocada; intencionalidad atestiguada por la convencional narración inicial predecesora al clímax, lo que hace suponer que la trama argumentativa no es el atractivo de la propuesta sino el efectismo visual a utilizarse para escarapelarnos.

Como historia la película cuenta el reencuentro con sus raíces, de manera lastimosa y turística, de 5 jóvenes (Kim, Por, Noot, Ko, Tair) originarios de la zona rural tailandesa, quienes regresan al campo para acompañar en el dolor a su amigo Ta por el fallecimiento de su padre. Ellos gozosos por su regreso rememoran lo antes vivido en esa etapa, resaltando las desdichas inolvidables motivadoras de su alejamiento. Los casos de embrujo y maldiciones de antaño no han disminuído en grado en ese presente, pues las ya emitidas aún no caducan su efecto.

El relato discurre en un círculo vicioso vengativo a raíz de maldiciones dirigidas entre los protagonistas de la tragedia a devenirse. Se apela a la magia negra para concretar sus objetivos más inmediatos, alterando así el curso natural de las acciones. Esta constante genera consecuencias irreparables para los involucrados.

La maestra Panor, la antagonista y ejecutora de las torturas, busca al responsable de su desdicha, nuevamente otra maldición, que encuentra a Por como culpable. Culpabilidad a cuestas de las vidas de sus amigos caídos por esa enfermiza pesquisa, proporcionadora del clímax violento atrapante de esta entrega, que con tempo in crescendo atinado subyuga al espectador como cómplice o alcahuete de los desatinos pretéritos de los protagonistas.

El 'espíritu' penante de Ta es quien convoca al resto de vuelta para el enjuiciamiento presidido por la maestra (Panor),quien inconforme por el desconocimiento del culpable de su sufrimiento prodiga abyección indistintamente. En ese detalle radican los principales desatinos del film, pues siendo Ta una ilusión producto de magia tiene demasiada injerencia en los acontecimientos: habla por teléfono, da chapuzones salvadores, socorre vidas, carga en hombros, etc. Este despiste alude a la distracción del espectador, quien es presa de un truco atentador contra el raccord del acabado, además de mermar en la impresión narratológica concebida. Se da un giro de tuerca radical para inyectarle drama e impacto al desenlace, recurso innecesario para lo que ya se había logrado con la tensión propuesta, moción trepidante y demostración doliente en el transcurrir de la película, por lo cual ese ardid de sorpresa resulta contraproducente.Kim muere al 'espíritu' de Ta llevársela consigo para cumplir con la condición del último conjuro mostrado, consistente en la unión eterna de ambos.

El arte del diablo carece de estética fotográfica sugerente, sólo acude a la lobreguez de la imagen como denotadora de lo sombrío, además de no contar con pulcritud del lenguaje, pues los cortes y empalmes secos significan no prisa en el montaje sino falta de oficio para esa lid. Los atributos desconllantes de esta producción tailandesa son las variables en el tratamiento de la emoción terrorífica vivida por los jóvenes, en la transformación lograda del relato soso y convencional a un vaivén de amenazantes situaciones capturadoras de atención, y en la 'valentía' de encararnos sangre, piel y huesos como sustancia justificada por la intención establecida.

Esta entrega es efectista, sí, pero para enrostranos nuestra sensiblera e indiferente idiosincrasia de manera sumamente explícita frente a las consecuencias sufrientes de la venganza, generadora de más venganza, omitiendo la elipsis en los momentos compuestos de imágenes grotescas hirientes a susceptibilidades cursiles. La dupla tailandesa no duda en abrasar a un sujeto vivo, en arrancar uñas con alicate, en extraer reptiles de las entrañas de un individuo o en hervir el rostro de una mujer; esto será en pro de inquietar nuestra conciencia a fin de un estribillo moralista, pero imperiosamente alarmante en esta sociedad actual de autodestrucción... La venganza es tema y preocupación cogidos, también, por Chan Wook Park, otro asiático, como musa para su filmografía en su "trilogía de la venganza" (Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy, Sympathy for lady Vengeance) que tanto estupor produjo tanto en oriente como en occidente.

Esta tailandesa anima la cartelera por el principal hecho de ser una película de 'idioma extranjero' (no gringo) presente en nuestra hollywoodense lista a disposición, lo que la convierte en una rareza, aparte de proceder del Asia fructífera de hoy, fuente sorprendente de hechuras originales y ambiciosas tanto en lo narrativo como en lo argumental. Por ello, se agradece la llegada de esta versión antes que los norteños pergeñen un despreciable remake como los que suelen hacer -y traer- para nuestro infortunio.

El arte del diablo es entretenimiento culposo, asimismo una reflexión embozada con sangre. Si para una próxima entrega los autores tailandeses se preocupan en pulir su denuncia audiovisual con estética del lenguaje, más argumentativa lúcida y coherente, los resultados serán vociferados en un círculo más amplio que de la 'chibolada' asustadiza.

RECORDANDO EL INICIO

El cine, el arte de nuestro tiempo, de Louis y Auguste Lumière (para los despistados, los creadores del Cinematógrafo)se basó en la capturación de situaciones cotidianas de su entorno, lo que podía llamarse vagamente documentales.

La única 'obra' ficcional de los Lumière sería Le jardinier et le petit espiègle/ L'arroseur arrosé (El regador regado/El jardinero regado), comedia componente del primer lote de 'películas' exhibidas en el Salon Indien del Grand Café parisino el 28 de diciembre de 1895.

Aquí un sustancioso fragmento de lo proyectado esa celebérrima fecha. Día en que el cine hizo la primera demostración de sus capacidades en su estado más primario.

L'arroseur arrosé (El regador regado) además de La sortie des usines Lumière (Salida de la fábrica Lumière), L'arrivee d'un train a la Ciotat (La llegada del tren a la estación de la Ciotat) y otras, a continuación:

...Éste post meritaba publicación hace mucho -talvés como introductorio del blog- pero el cúmulo de bondades decorativas que éste medio brinda recién están siendo descubiertas por mi persona, así que "RECORDANDO EL INICIO" no pudo ver luz antes de esta fecha.

Pero sí, este post indica un punto de partida igualmente; pues, en adelante, The lord of the Polvos promete mejoras estéticas visuales a fin del beneplácito de los visitantes a este humilde espacio...

Espero -no, deseo- que lo disfrutes...

MARAVILLOSAMENTE DISTINTOS

de Luis Ángel Esparza Santa María y Mauricio Esparza Santa María

Al ritmo del concierto para mandolina de Vivaldi los hermanos Esparza Santa María, inspirados parcialmente por la obra de Quino, diseñan este jocoso cortometraje animado de calidad sobresaliente relativo a las endebles relaciones amorosas de cualquier índole.

¿Amor : Sexo?

Sin más 'floro', presento Maravillosamente distintos:

NIGHT ON EARTH (1991)

de Jim Jarmusch

Es de noche y las calles solitarias no parecen augurar buen negocio para los ambulantes, sean estos estáticos como un mercader o móviles como un taxista, quienes sin opción de transacción estarían mejor en su lugar de descanso. Son precisamente estos últimos, los taxistas, quienes son 'cogidos' por Jarmusch para elaborar su quinto film, el más pretencioso en lo que a producción se refiere de su filmografía.

Night on Earth retrata a individuos resididos en Los Ángeles, New York, Paris, Roma y Helsinki que en una noche cualquiera viven una experiencia peculiar a bordo de un taxi, ya sean estos los conductores o pasajeros. Individuos distantes tanto en lugar de procedencia y residencia como en características físicas: un marimacho, una ansiosa representante de casting, un emigrante alemán en los suburbios gringos, unos cuñados conflictivos, un africano déspota en París, una ciega perfecta perceptora de su entorno, un excéntrico en busca de redención, un sacerdote medicado y un deprimido padre frustrado son los contadores de este episódico film al típico estilo narratológico de Jarmusch, demostrado ya en sus anteriores trabajos, específicamente en Mistery train.

Las primeras tomas del film muestran -junto a los créditos iniciales de presentación en un encuadre animado- a la Tierra con zoom in ligeramente giratorio, para luego en un globo terráqueo, con travelín in de izquierda a derecha (de amplio a ceñido), ubicar en el mapa las geografías contextuales de las acciones a acaecerse: de Asia -ausente ambiental en las historias- hasta Los Ángeles -lugar del primer episodio...

La única toma repetitiva de toda la película es la de los relojes indicando los diversos horarios en las ciudades ambientadoras del relato. Toma capturada por 5 cámaras distintas -cada una delegada a un reloj determinado- en un mismo tiempo real, dando así la impresión de paralelismo exacto entre los actos contados secuencialmente.

1.Son las 7:07 pm en los Ángeles, y Corky (Winona Ryder) lleva en su taxi a unos músicos ebrios cuyo destino es el aeropuerto de la ciudad, ahí encontraría a su próximo cliente, Victoria (Gena Rowlands), representante de casting cazadora de talentos jóvenes. Ella ve en Corky lo necesario para ser una estrella de Hollywood, pero la tosca taxista rehúsa la oferta, pues siente identidad y afecto con su trabajo actual de taxista.

Jarmusch filma en ese capítulo su escena más convencional de toda su filmografía hasta ese entonces, pues combina los manidos discursos morales además de la estructuración caricaturesca del personaje de Ryder llevado al límite de la verosimilitud y antipatía. 'Los Ángeles' es explícito en su mensaje e intención: "No siempre el que tiene más tiene todo". Lema implícito esbozado en su desarrollo pos existencial de los pobres que son felices. Estribillo de final feliz para un remake futurista de Los ricos también lloran.

2. 10:07 pm en New York... Yo-Yo (Gian Carlo Esposito), un vago afroamericano, es omitido por cada taxi que transita frente a su nariz. Es desaliñado e incomodamente expresivo, lo cual estorba a su objetivo inmediato de regresar a casa rápidamente en auto. Ruidoso e inesperado un auto estaciona frente a él, su conductor sonriente lo invita a subir y éste acepta gustoso. Se trata de Helmut (Armin Mueller-Stahl), un payaso alemán recién llegado a América, quien a pesar de ser eventualmente taxista no sabe conducir. Yo- Yo impotente alterna labores con Helmut con la condición de pagar el servicio de taxi, así el alemán sea sólo testigo inoperativo en el trayecto... Sola por las calles transita Angela (rosie Perez), cuñada de Yo-Yo, la cual es introducida al auto inmediatamente por su eufórico pariente con el fin regresar a casa junto a ella. Situación iniciadora de una secuencia de agravios verbales entre ambos causantes de humor para Helmut, quien a pesar de ser payaso ve en ellos motivos para soreir. Tras el accidentado viaje, Yo-Yo y Angela llegan a casa, y Helmut continúa con su trayecto nocturno, en el cual percibe caos y desorientación en su entorno actual.

Así como Bob en Down by law, Helmut es el extranjero simpático y ajeno de los malestares vecinos. Sus percepciones están concebidas con la misma inteción: la mirada encantada de un mundo 'superior' como el estadounidense a comparación del que dejó atrás. Bob nunca prestó atención a su entorno caótico, sino que encontró armonía lejos de éste, en cambio Helmut, en su aparición final comprende la parafernalia transtornada en la que ahora está inmerso... Hilarante crítica de la irrisoria sociedad estadounidense, que rehuye a la autocrítca, pero que abraza el prejuicio complaciente.

3. Un marfileño (Isaach De Bankolé) lleva en su taxi a un par de déspotas y xenófobos cameruneses en París a las 4:07 am. El de Costa de Marfil no está dispuesto a soportar tantas insolencias por parte de sus clientes, a los cuales echa en una desolada calle aparentemente peligrosa. El taxista aún enojado por aquel incidente - y porque no le pagaron- hace caso al llamado de una joven ciega (Béatrice Dalle), quien resulta tener mayor percepción de su entorno que cualquier ciego promedio. La mujer es susceptible a la subestimación, está segura de poder realizar cualquier actividad normal ya que la ceguera no le representa mayor problema. Siente el sexo, los colores, las imágenes; su aprehensión de la vida es sensorial a su máximo punto -según ella. Aclaración que provoca escepticismo en el africano, quien somete a retos de visión a su pasajera, la cual atina en las respuestas. Fin del camino. La ciega llega a su destino y el taxista asombrado y conmovido acepta la fidelidad de la sensorialidad conjunta exenta de visión como guía confiable.

Melifluidad no-conmovedora del virtuosismo de la ciega en batalla con la vida sin imagen. Jarmusch es excepcional con los ritmos contemplativos atrapantes, en que los parlamentos lucen su lozanía y vivacidad además de su inteligencia para la fluidez verbal. Virtud innegable en el autor indie. El problema de 'París' no radica en el ritmo narrativo o interpretativo, mucho menos en el desarraigo de las características siempre presentes en el cine de Jarmusch -lo que ya es invariable- sino en la intención y elaboración de los intérpretes. Como en 'Los Ángeles' se comete el mismo desliz: de la caricatura sabelotodo y orgullosa, que desdeña a quien no la comprende en su realidad vivencial. La caricatura de la mujer ciega parece capaz de todo, lo que provoca hartazgo en el devenir de las acciones, ya que la invidente es una superdotada sensiblera pasadora de cualquier obstáculo. Es un álter ego lastimero de autoayuda.

4. A toda velocidad como si de un rally se tratara el conductor del taxi (Roberto Benigni) narra su hazaña de gran corredor. Pasea por su ciudad (Roma a las 4:07 am) e ironiza sobre cualquier elemento que le inspire a eso. Está aburrido y no tiene cliente a quien complacer. A la distancia se manifiesta un usuario para su servicio: un reverendo que destina al Vaticano. El taxista es sumamente extrovertido y liberal -es asiduo cliente sexual de travestis, además de ser adepto de otras tendencias no comunes- pero reconoce sus errores libertinos, los cuales quiere confesar aprovechando la presencia del reverendo en su taxi. Sin apuro ni permiso suelta su cantaleta pecaminosa ante el sacerdote, quien en el transcurrir de las declaraciones sufre un paro cardiaco mortal. El conductor en sus 'confesiones' emitió su fijación sexual desaforada hacia los seres vivos de cualquier especie (calabazas, ovejas y cuñadas) con una soltura y naturalidad digna de una demencia congnitiva superlativamente hilarante, lo que provocó el colapso de la resistencia susceptible del pacato individuo.Benigni en su monólogo confesante raya la genialidad cómica con una performance impecable en los aspectos expresivos tanto vocales como gestuales. Jarmusch por medio del italiano satiriza al conservadurismo decimonónico de la iglesia, quebrantable con simples expresiones faltos de pudor. El momento más logrado de Night on earth, y el más cómico que haya filmado Jim hasta ese momento.

5. Mika (Matti Pellonpää) aburrido y alicaído merodea en su taxi por Helsinki (Finlandia) a las 5:07 am. De pronto, recibe el aviso de que alguien requiere sus servicios; los clientes son tres tipos que ha duras penas se pueden mantener en pie. Están tristes porque su amigo Aki (quien duerme en el auto) pasa por momentos difíciles, pues ya no tiene trabajo ni auto además que su esposa quiere divorciarse y su hija de 16 años está embarazada. Un melodrama lindante con tragedia. Sus dos amigos narran los hechos a Maki, quien no se inmuta demasiado por las desventuras de su cliente, pues él cree que pudo haber sido peor. Los amigos de Aki sienten esto como una ofensa por parte del chofer, quien luego les cuenta sus desdichas más lacrimógenas. El hijo de Maki al poco tiempo de nacer muere por parto prematuro. Los sujetos, convencidos de que el taxista sufre más que su amigo, pierden interés en el estado anímico de Aki y lo abandonan a merced del conductor. Como si no hubiera sucedido nada, Maki cobra por el servicio prestado y se retira dejando al deprimido Aki tirado en la nieve que cubre el suelo de su vecindario.

Jarmusch con ironía fabrica un melodrama sufriente de emociones verbales conmovedoras. Los amigos de Aki vociferan la lamentable situación de este último, mientras que Maki sintiéndose retado por la desdicha inferior de su cliente comenta su desgracia con un timing envidiable para cualquier narrador de historias. Jarmusch intencionalmente embarra la escena de sufrimiento en aumento progresivo, y apela con nueva forma a su teoría existencial de disminuir el efecto impactante, y efímero, de la novedad con otra más sobresaliente. Las impresiones novedosas llamativas duran lo que tarda una nueva en aparecer, así lo mostró en Permanent vacation, pero en un aspecto más sicológico, cuando Willie, Eddie y Eva dejan su ciudad para buscar un paraíso fuera de la monotonía de sus quehaceres, decepción fue para ellos no encontrar ninguna mejora. Sus expectativas se fueron con la realidad tangible desilucionadora. O en Down by law cuando Jack, Zack y Bob anhelan su salida de prisión, pero al lograr ese objetivo se internan en un pantano tan opresor como la carcel misma; también en Mistery train se da indicios de esa idiosincrasia ejecutiva del autor en la ocasión que Mitzuko y Jun buscan un reino en Memphis, la tierra de Elvis, aunque en realidad se encuentren con un contexto similar a su natal Yokohama. Y así se podrían citar más ejemplos en la filmografía del estadounidense, pues una de sus características principales en la generación intelectual de sus ideas es partir de esa premisa desilucionadora y reveladora. En este caso, el de 'Helsinki', es más implícito y más confuso para identificar, pues los capítulos antecesores al desenlace estuvieron conformados para otro objetivo en el mensaje.

Night on earth difiere de las otras entregas del cineasta, propone más perspectivas de un sólo golpe, propuesta con resultados contraproducentes, pues se configura un film irregular en lo que ha tratamiento de sensaciones se refiere. El arraigo existencial caricaturesco de 'Los Ángeles' dista de la ironía a la mirada extranjera de 'New York'; asimismo 'París' muestra el mismo desequilibrio que 'Los Ángeles' en la proposición de simpatía con el personaje convencional de autoayuda.'Roma' contrasta por su humor negro desbocado y crítico, que se muestra también en 'Helsinki', en mucho menor grado, al disfrazar la sátira con melodrama. Pareciera que Jarmusch desdoblara su personalidad para realizar, con dos idiosincrasias distintas, los capítulos del film, pues la ironía y crítica mordaz de 'New York', 'Roma' y -como dije antes, en mucho menor grado- 'Helsinki' difieren sobremanera de las banales, convencionales e inocentes 'Los ángeles' y 'París'.

Jarmusch considera al taxi como el espacio claustrofóbico perfecto para dilucidar su inquietud en esta entrega, pues el reducido espacio interior del vehículo frustra la libre habilidad motor del individuo a bordo, supeditando todo movimiento a la posibilidad del medio de transporte que conduce. Con eso imprime una paradoja del "movimiento estático", que se insinuó poco en el desarrollo del film, pero que se concretó en el desenlace a través del ánimo alicaído del impotente Mika, quien se moviliza durante toda la noche en el taxi, pero nada puede hacer para cambiar su infortunio.

EXPERIENCIAS CON Y EN EL CINE VII

En un arrebato deliberado retomé mi cinefilia en su estado más puro. La piratería facilista fue momentaneamente dezplazada para que el ritual en una sala oscura con pantalla gigante retomara el sitial perdido por pulseo desigual. La cartelera limeña palidece al lado de los regordetes catálogos expuestos en los stands del pasaje 18. Por motivos obvios y convenientes omití a la parafernalia de las multisalas para optar por la variedad pirata, la cual me ofrece más y mejor cine por menor precio ¿Cómo rechazarla?

Estás últimas semanas nuestra humilde cartelera ha recibido visitas inesperadas de distintas partes del orbe: Hungría (Campos de esperanza), Italia (Manual de amor y El tigre y la nieve), Tailandia (El arte del diablo), Estados Unidos -indie- (Little children). Todas ellas interesantes -más por el aire fresco y diferenciado que brindan a la lista de películas en exhibición comercial que por su calidad como obra.

Como dije al inicio, esta semana regrese a las multisalas con el mayor optimismo. Martes y jueves dije presente en los Cineplanet de San Miguel y Risso, respectivamente, para presenciar filmes no de marca gringa sino de sello 'internacional'. Los gringos figuran tanto en nuestro medio cinematográfico que ya se les atribuye calidad de residentes. Por eso, todo lo que no venga del coloso del norte causa extrañeza y expectativa para los cinéfilos desesperanzados del reflote de su propio medio exhibidor de películas.

El martes ('día del espectador') con berrinche impropio de la edad pude sangrar algunos 'nuevos soles' del bolsillo de mis dadivosos padres para poder ir (en combi), ver (sin cancha ni gaseosa) y regresar (en taxi, para mi suerte) del cine. La elegida para mi reencuentro con el ecran fue la desapercibida obra italiana Manual de amor, reseñada hace un par de días en este mismo espacio.

Es reconfortante 'sentir' la banda sonora hasta en la nuca, así como segregar la mirada para intentar no perderse en todo el campo visual. Eso es el cine: grandeza, imponencia y confort.

Si la película me haya gustado o disgustado es un dato secundario, pues la experiencia del reecuentro es la protagónica y anecdótica en ese martes atípico. Uno mismo ya olvida el placer de disfrutar una pasión en su contexto adecuado como es una obra cinemtográfica en la sala oscura; el cine 'extraído' de su realidad llamado DVD es el consuelo de los infortunados peruanos ajenos al mejor cine del planeta, que no tienen más opción que escuchar inglés en cada estreno semanal hasta que los multicines colapsen... Dinamarca (Lars Von Trier), Bélgica (Los hermanos Dardenne), Francia (Bruno Dumont), España (Carlos Saura), Argentina (Caetano), etc. envían sus frutos tardíamente a nuestras tierras, en el mejor de los casos... El dólar sigue bajando en su cotización, así como hace mucho Hollywood en su producción de valor... Cancelé mi entrada, S/. 6.90, lo cual afortunadamente por acumulación de puntos me valió un voucher adicional para adquirir otro ticket por S/. 3 en un plazo máximo de tres meses. ¿Tres meses? El jueves ya entraba novedad a la cartelera, oportunidad pronta para hacer valer mi 'premio'.

El jueves en situación similar me cité, en Cineplanet Risso, con El arte del diablo -film de horror tailandés que será reseñado en los próximos días por mi persona. Nuevamente sin cancha ni gaseosa busqué comodidad en la estrecha butaca, en la cual puse en practica variedad de posturas -una más incómoda que la otra- que felizmente no distrajeron mi atención hacia el film. Sólo adelanto mi satisfacción al final del primer visionado -vaga satisfacción aún no definitiva, pues algunas dudas me quedaron, las cuales serán dilucidadas en el segundo intento (esta vez en versión pirata). Los resultados de ese segundo encuentro serán expuestas en la futura reseña sobre Long Khong (El arte del diablo), prometida para la próxima semana a más tardar.

Quiero seguir en esa senda -ojalá la economía y la cartelera me lo permitan- ahorraré ripios y cutrearé sencillo para que se haga esto un poco más sencillo. Además de esperar al martes para comprar el ticket más barato. (Casi) ruego que los jueves de estrenos sigan con esos caprichitos bienhechores para los agradecidos cinéfilos hollywoodfóbicos...

EUROPA EMBISTE CON SU XIX FESTIVAL DE CINE

Se acerca el XIX Festival de Cine Europeo, que se realiza anualmente en Lima, presentado por la Filmoteca PUCP y la Unión Europea a partir del 25 del presente mes. Se podrá ver en distintas salas de la capital (CCPUCP, Ventana Indiscreta de la U.Lima, C.C España, Cine Arte San Marcos, entre otras). A continuación la lista de las películas a mostrarse en el marco de dicho Festival extraído del blog PÁGINAS DEL DIARIO DE SATÁN (paginasdeldiariodesatan.blogspot.com) Próximamente mayor información al respecto:

PORTUGAL

CINCO DÍAS, CINCO NOCHES

Cinco dias, cinco noites

Portugal, 1996 / 1h. 40 min.

De: José Fonseca e Costa

Con: Paulo Pires, Sinde Filipe, Vîtor Norte, Mário Moutinho, Diana Costa e Silva.

Premio a la mejor fotografía y mejor música en el Festival de Gramado. Globo de Oro a mejor filme del Cine Portugués. Festivales de Mar del Plata, Montreal, Praga y Huelva. (Digital)

RECUERDOS DE LA CASA AMARILLA

Recordações da Casa Amarela

Portugal, 1989 / 2 h.

Con João César Monteiro, Manuela de Freitas, Ruy Furtado, Teresa Calado.

Premio: León de Plata del Festival de Venecia. (Digital)

NO A LA GLORIA DE MANDAR

‘Non’ ou a va glória de mandar

Portugal-España-Francia, 1990 / 1h. 48 min.

De: Manoel de Oliveira

Con: Luis Miguel Cintra, Diogo Dória, Miquel Guilherme, Luís Lucas, António S. Lópes, Raúl Fraire.

Mención Especial del Jurado en Cannes, 1990. (Digital)

EL VALLE DE ABRAHAM

Vale Abraão

Portugal-Francia-Suiza, 1993 / 1h. 48 min.

De: Manoel de Oliveira

Con: Leonor Silveira, Cecile Sanz de Alba, Luis Miguel Cintra, Rui de Carvalho, Luis Lima Barreto. (Digital)

LA CARTA

A carta

Portugal-España-Francia, 1999 / 1h. 47 min.

De: Manoel de Oliveira

Con: Chiara Mastroianni, Pedro Abrunhosa, Antoine Chappey, Leonor Silveira, Françoise Fabian, Maria João Pires, Anny Romand.

Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 1999. (Digital)

A FLOR DE PIEL

Á flor da pele

Portugal, 2006 / 1h. 4 min.

De: Catarina Mourão

Documental

Premio al mejor filme en el Festival Etnográfico de Documentales – Forumdoc, Brasil

BÉLGICA

25 GRADOS EN INVIERNO

25 degrés en hiverBégica-Francia-España, 2003

De: Stéphane Vuillet

Con: Jacques Gamblin, Carmen Maura, Ingeborga Dapkunaute, Pedro Romero.

Duración: 1h. 30 min.

Premio del Jurado a mejor película y nominada al Oso de Oro en el Festival de Berlín y al Biznaga de Oro en el Festival de Málaga. (35 mm)

REPUBLICA CHECA

FIMFÁRUM II

República Checa, 2006 / 1h. 30 min.

De: Vlasta Pospíšilová, Břetislav Pojar, Jan Balej, Aurel KlimtVoces: Jan Werich, Ota JirákAnimación. (35 mm)

ALEMANIA

YELLA

Alemania, 2007 / 1h. 29 min.

De: Christian Petzold

Con: Nina Hoss, Devid Striesow, Hinnerk Schönemann, Burghart Klaussner, Barbara Auer, Christian Redl

Premios: Oso de plata a la mejor actriz (N. Hoss) en el Festival de Berlín, 2007. Festivales: BAFICI, Buenos Aires, Shanghai, Edinburgh, 2007. (35 mm)

¡EL JUEGO DE ZUCKER!

Alles auf Zucker!

Alemania, 2004 / 1h. 30 min.

De: Dani Levy.

Con: Henry Hübchen, Hannelore Elsner, Udo Samel, Golda Tencer, Steffen Groth, Anja Franke, Sebastian Blomber.Premios Deutscher Filmpreis al mejor direcctor y mejor guión. (35 mm)

CUATRO MINUTOS

Vier Minuten

Alemania, 2006 / 1h. 52 min.

De: Chris Kraus

Con: Monica Bleibtreu, Hannah Herzsprung, Sven Pippig, Richy Müller, Jasmin Tabatabai, Stefan Kurt.

Premio Bayerischer Filmpreis (Premio de la Cinematografía Bávara) a la mejor actriz (Jin Jue) y mejor guión. Mejor película en el Festival de Shanghai y Reykjavik, entre otros.

Festivales: Toronto, Rio, Biberach, Los Angeles, Seville, Estambul, 2006, entre otros. (35 mm)

EL NOVENO DÍA

Der Neunte Tag

Alemania, 2004 / 1h. 37 min.

Con: Ulrich Matthes, August Diehl , Hilmar Thate, Bibiana Beglau, Germain Wagner, Götz Burger. (Digital)

CADA UNO CALLA ALGO

Jeder schweigt von etwas anderem

Alemania, 2006 / 1h. 12 min.

De:Marc Bauder, Dörte FrankeDocumental. (Digital)

GRECIA

PEPPERMINT

Grecia, 1999 / 1h. 45 min.

De: Costas Kapakas

Con: Georges Corraface, Giorgos Gerontidakis-Sempetadelis, Anny Loulou, Alexandros Mylonas, Tassos Palatzidis.

Premio a mejor director en Festival Lauderdale, 2000. Mejor actriz, director y guión en el Festival de Thessaloniki, 1999. Candidata al Oscar en representación de Grecia. (35 mm)

ARIADNI

Grecia, 2002 / 1h. 25 min.
De: Giorgos Kordellas

Con: Stratos Tzortzoglou, Rea Toutountzi, Kostas Ferris, Pavlos Orkopoulos. (Digital)

ESPAÑA

SOLDADOS DE SALAMINA

España 2003 / 1h.52 min.

De: David Trueba

Con: Ariadna Gil, Ramón Fontseré, Joan Dalmau, María Botto, Diego Luna.

Premios: Goya a la mejor fotografía, España, 2003. Cisne de Oro al mejor guión en Copenhague, 2003. Mejor montaje y mejor fotografía del Círculo de Escritores Cinematográficos, España, 2003. Mejor actor (J. Dalmau) en Nantes, Francia, 2004. (Digital)

AGUA CON SAL

España, 2005 / 1h. 34 min.

De: Pedro Pérez-Rosado

Con: Yoima Valdés , Leyre Berrocal, Juan Carlos Morales, Candela Fernández, Lola Molto.

Premios: Mostra de Valencia, 2005. Colón de Plata a mejor actriz (Yoima Valdés) y el Premio Llave de la Libertad en el Festival de Cine de Huelva. (Digital)

7 VIRGENES

España 2005 / 1h. 26 min.

De: Alberto Rodríguez

Con: Juan José Ballesta, Jesús Carroza, Vicente Romero, Alba Rodríguez, Julián Villagrán.

Premios: Concha de Plata al mejor actor (Juan José Ballesta) en el Festival de Cine de San Sebastián, España, 2005. Premio Goya al mejor actor revelación (Jesús Carroza), España, 2006. (Digital)

IBERIA

España 2005 / 1h. 36 min.

De: Carlos Saura

Con: Sara Baras, Antonio Canales, Aída Gómez, Enrique Morente, Estrella Morente.

Premios: Goya a la mejor fotografía, España, 2006. Participó en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, España, 2006. (Digital)

EL BOSQUE ANIMADO: SENTIRÁS SU MAGIA

España, 2001 / 1h. 20 min.

De: Manolo Gómez, Angel de la Cruz

Con: Animación con las voces de Ignacio Aldeguer, Mar Bordillo, Beatriz Berciano, Lucía Esteban. (Digital)

FRANCIA

LAS HERMANAS ENFADADAS

Les soeurs fâchéesFrancia, 2004 / 1h. 33 min.

De: Alexandra Leclère

Con: Catherine Frot, Isabelle Huppert, François Berléand. (Digital y 35 mm)

HASTA PRONTO

À tout de suite

Francia, 2004 / 1h. 35 min.

De: Benoît Jacquot

Con: Isild Le Besco, Quassini Embarek, Nicolas Duvauchelle, Laurence Cordie, Fotoni Kodoukaki.

Premio “Gil Parrondo” a la mejor dirección artística. Selección Oficial en “Una cierta mirada” en el Festival de Cannes. Mejor película en el Festival de Punta del Este, 2006. (Digital y 35 mm)

KIRIKOU Y LA BRUJA

Kirikou et les betes sauvages

Francia, 2005 / 1h. 15 min.

De: Michel Ocelot

Animación

Premio a mejor película en los festivales de Annecy, El Cairo, Chicago, Zanzíbar entre otros. (Digital y 35 mm)

MALOS PERDEDORES

Les mauvais joueurs

Francia, 2005 / 1h. 25 min.

De: Frédéric Balekdjian

Con: Pascal Elbé, Simon Abkarian, Isaac Sharry, Linh-Dan Pham, Teng Fei Xiang, Yun Hong

Perrotin.Premio Sangre nueva a la mejor opera prima en el Festival Policial de Cognac y premio Manfred Salzgeber en el Festival de Berlín 2005. (Digital y 35 mm)

LA TRAICIÓN

La trahison

Francia- Bélgica, 2006 / 1h. 20 min.

De: Philippe Faucon

Con: Vincent Martinez, Ahmed Berrhama, Cyril Troley, Walid Bouzham, Medhi Yacef, Mehdi Idriss.

Festivales: Selección Oficial en el festival de Rótterdam y Toronto, 2006. (Digital y 35 mm)

UNA VÍBORA EN EL PUÑO

Vipère au poing

Francia-Reino Unido, 2004 / 1h. 34 min.

De: Philippe de Broca

Con: Catherine Frot, Jacques Villeret, Jules Sitruk, William Touil, Cherie Lunghi, Hannah Taylor Gordon, Richard Bremmer.

Premio especial del jurado en el Festival France Cinema de Florencia 2004. (Digital y 35 mm)

OBRAS EN CASA

Travaux, on sait quand ca commence…

Francia-Reino Unido, 2005 / 1h. 35 min.

De: Brigitte Roüan

Con: Carole Bouquet, Jean-Pierre Castaldi, Aldo Maccione, Didier Flamand, François Brion, Alvaro Llanos, Carlos Gasca, Alejandro Piñeros.

Festivales: Quincena de Realizadores en Cannes, 2005 (Digital)

ITALIA

LA VIDA QUE SUEÑO

La vita che vorrei

Italia, 2004 / 2h. 14 min.
De: Giuseppe Piccioni

Con: Luigi Lo Cascio, Sandra Ceccarelli, Galatea Ranzi, Fabio Camilli, Roberto Citran. (35 mm)

DESPUÉS DE LA MEDIANOCHE

Dopo Mezzanotte

Italia, 2003 / 1h. 30 min.

De: Davide Ferrario.
Con: Giorgio Casotti, Francesca Inaudi, Fabio Troiano, Francesca Piccozza.

Premio Caligari del Festival de Berlín Sección Forum, 2004. Premio Don Quixote de la Sociedad y Federación Internacional de Film. (35 mm)

PAISES BAJOS

MAGONIA

Países Bajos, 2001 / 1h. 52 min.

De: Ineke Smits

Con: Dirk Roofthooft, Willem Voogd, Ramsey Nasr, Amiran Amiranashvili, Antje de Boeck, Geert Hunaerts, Nodar Mgaloblishvili.

Premios: Círculo Precolombino de Oro en el Festival de Bogotá, 2002. Mención especial en el Festival de Tróia. Tulipán de Oro en el Festival de Estambul. Selección Zabaltegi Nuevos Directores en el Festival de San Sebastián, 2001. Selección Oficial en el Festival de Toronto, 2001. (35 mm)

CAMARERO

Ober

Países Bajos, 2006 / 1h. 37 min.

De: Alex van Warmerdam

Con: Alex van Warmerdam, Ariane Schluter, Jaap Spijkers, Mark Rietman, Thekla Reuten, Kees Prins.

Premio Golden Film del Cine Holandés, 2006. Premio Golden Calf a la mejor producción y guión del Dutch Film Festival, 2006. (35 mm)

AUSTRIA

JUGANDOSE LA VIDA A LOS DADOS

Spiele Leben

Austria-Suiza, 2005 / 1h. 38 min.

De: Antonin Svodoba

Con: Georg Friedrich, Birgit Minichmayr, Gerti Drassl, Andreas Patton, Michael Rastl.

Festivales: San Sebastián Sección Zabaltegi, Toronto; Viennale. (35 mm)

CAFÉ ELECTRIC

Cafe Elektric

Austria, 1927 / 1h. 20 min.
De: Gustav Uciky

Con: Fritz Alberti, Marlene Dietrich, Anny Coty, Willi Forst, Nina Vanna, Igo Sym, Vera Salvotti, Wilhelm Volker. (Digital)

POLONIA

EUROPA EUROPA

Hitlerjunge Salomon

Polonia-Alemania-Francia, 1990 / 1h. 52 min.

De: Agnieszka Holland

Con: Salomon Perel, Marco Hofschneider, René Hofschneider, Piotr Kozlowski, Klaus Abramowsky, Michèle Gleizer, Julie Delpy, Hanns Zischler.

Premios: Globo de Oro a la mejor película extranjera. Nominada a mejor película extranjera por la Academia de Cine de Gran Bretaña, el National Board of Review y The New York Film Critics Circle. (Digital)

LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA

Podwojne zycie Weroniki

Polonia-Francia-Noruega, 1991 / 1h. 38 min.

De: Krzysztof Kieslowski

Con: Iréne Jacob, Halina Gryglaszewska, Kalina Jedrusik, Philippe Volter, Sandrine Dumas, Aleksander Bardini.

Premio a la mejor actriz (I. Jacob), Premio Especial del Jurado, FIPRESCI y Ecuménico en el Festival de Cannes, 1991. (Digital)

RUMANIA

SIBIU

Rumanía, 2007 / 24 min.

De: Dumitru Budrala

Documental

TRAFICO

Trafic

Rumanía, 2004 / 15 min.

De: Catalin Mitulescu
Con: Bogdan Dumitrache y Maria Dinulescu

Premio al mejor cortometraje en el Festival de Cannes, 2004

ACANTILADOS DE ARENA

Faleze de nisip

Rumanía, 1983 / 1h. 33 min.

Der: Dan Piţa
Con: Victor Rbengiuc, Gheorghe Visu, Carmen Galin, Marin Moraru, Valentin Uritescu, Oana Pellea.

Festival de Berlín, Sección Panorama, 1991.

FINLANDIA

JUHA

Finlaandia, 1999 / 1h. 28 min

De: Aki Kaurismaki

Con: Sakari Kuosmanen, Kati Outinen, André Wilms, Esko Nikkari, Markku Peltola. (35 mm)

UN HOMBRE SIN PASADO

Mies vailla menneisyyttä

Finlanadia-Alemania-Francia, 2002 / 1h. 37 min.

De Aki Kaurismaki

Con: Markku Peltola, Kati Outinen, Annikki Tähti, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen.

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes. Nominada para la competencia al Oscar como mejor película extranjera. (35 mm)

SUECIA

DINAMITA

Sprängaren

Suecia, 2001 / 2h. 8 min.

De: Colin Nutley

Con: Helena Bergström, Orjan Ramberg. Brasse Brännström, Pernilla August.
Premio al mejor actor de reparto del Instituto del Cine Sueco. (35 mm)

EL BAILE

Danse

Suecia, 1994 / 20 min.

Documental (35 mm)

REINO UNIDO

EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA

The Wind that shakes the Barley

Reino Unido-Irlanda-Alemania-Italia-España, 2006 / 2h. 4 min.

De: Ken Loach
Con: Cillian Murphy, Pádraic Delaney, Liam Cunningham, Orla Fitzgerald, Mary O’Riordan, Mary Murphy.

Premios: Palma de Oro a la mejor película en Cannes. (35 mm)

HERMANAS ANTE LA LEY

Sisters in Law
Reino Unido-Camerún, 2005 / 1h.44 min.

De: Kim Longinotto, Florence Ayisi

Con Beatrice Ntuba, Vera Ngassa.

Documental

Premios AFCAE, CICAE y Mención Especial de Europa Cinemas en la Quincena de los Realizadores en Cannes. Premio del Público IDFA en Ámsterdam. Nominado al Oscar en la categoría al mejor documental. Aclado en más de 120 festivales. (Digital)

SOL NEGRO

Black Sun

Reino Unido, 2005 / 1h. 15 min.

Director: Gary Tarn

Con: Hugues de Montalembert

Premio Especial del Jurado a mejor documental en los Festivales de Sarasota y de Newport, 2006. Nominada al premio Carl Foreman a la mejor ópera prima de los premios Bafta de la Academia Británica. (Digital)

MANUALE D'AMORE (2005)

de Giovanni Veronesi

Silvio Muccino (Tomasso), Jasmine Trinca (Giulia), Sergio Rubini (Marco), Margherita Buy (Barbara), Luciana Littizzetto (Ornella), Carlo Verdone (Goffredo)

Veronosi, tras sus sufridas experiencias , plantea 4 etapas como ciclo vital del amor, las cuales comprenden: el "enamoramiento", la "crisis", la "traición" y el "abandono", fases -según Veronesi- inapelables e ineludibles. La triste vida amorosa de Veronesi está expuesta en esta película, vista desde el flanco negado a la cursilería y a la pompa del sentimiento dadivoso universal, en el cual todo es color rosado fosforescente. Veronesi enuncia una teoría por medios fílmicos, su análisis a groso modo será el motivo de las siguientes líneas; discutir el film como expresión artística, y por ende personal -y bastante- del autor italiano, mas no la emisión de instrucciones de autoayuda para parejas.

Manual de amor (título en castellano) es una historia lineal sobre los avatares del amor en sus distintos tiempos vivenciales. Veronesi designa cada etapa a distintas parejas para atribuirle universalidad a su teoría sufriente del amor, la cual inicia tan meliflua e inocente como los individuos que la 'sufren', así como desoladora y decepcionante en su final con rasgos mínimos de optimismo culposo.

El "enamoramiento", primera etapa de la teoría de Veronesi, es la más simpática en la narración. Tomasso es un tipo enamoradizo que encuentra en Giulia a su amor a primera vista, al más puro estilo de Televisa, quien lo rechaza de las formas más directas posibles; esto afana a Tomasso en pos de su objetivo, que lograría tras un su infatigable intento. Lo rescatable de este episodio es el tratamiento cómplice puesto al servicio del empeñoso joven, quien carismático conecta al público con su plan de conquista. La humildad como es contada, ajena de pretensiones cómicas y chabacanas, aunque carente de originalidad, es apreciable por mostrar buen oficio y lucidez para el discurrir de la acción. No busca carcajadas ni cursilería, sino mostrar el tesón de un joven para conseguir un difícil objetivo, más allá de las situaciones indeseadas que puedan devenir posteriomente.

La 'crisis' ya presenta alicaimiento. Sus protagonistas (Marco y Barbara) son un palmario de hartazgo insostenible, que disgustan no por su calidad de antipáticos -lo cual es su papel- sino por el disforzamiento exigido para connotar abulía. Hostigamiento tras hostigamiento, más parece un desfile lastimero del catálogo pro-divorcio. No convence ni conmueve, pues la torpeza de la impulsión narrativa no marca un camino de exposición conclusiva, sino abrupción irritante.

Expositiva y redentora es la "traición", expone los motivos libidinosos de la infidelidad, siempre presentes en lo introspectivo y potencialmente explosivos a la mínima oportunidad. La infidelidad no es desamor, sino placer carnal fisiológico y represivo. Ornella desea a su vecino periodista, pero su apacible matrimonio no da motivo para hacer tangible esa pasión; hasta que descubre que la 'traición de su marido, motivo suficiente para que ella pague con la misma moneda a la vez que cumple su fogoso anhelo. La redención -y comprensión- entre ambos es el cierre del capítulo. ¿No es malo una aventurilla de vez en cuando verdad, Veronesi? La "traición" es más distraída que su antecesora, pero está sumamente apoyada del efectismo del personaje pintoresco que es Ornella, mujer policía inquebrantable y enemiga formal de la masculinidad al volante. Recelo producto del engaño perpetrado por su esposo. Tan medianamente entretenida como usuaria del circunloquio.

Lo que sería la 'muerte' en este ciclo vital es el "abandono". Goffredo es un médico saliente de una relación de nueve años, pues es abandonado por su mujer sin previo aviso, lo cual le provoca un desconsuelo deprimente. El médico divaga buscando distención. En esa actividad encuentra a una joven madre quien despierta en él el "enamoramiento" que hace tanto había dejado atrás. El ciclo vital de Veronesi no conoce la muerte, pero sí la agonía. "El amor no muere, pero si decae" parece decirnos el autor con el cierre de su último capítulo, y por ende de su ciclo, el cual finaliza como empieza todo. El amor es un círculo vicioso que tiende a abatirse para luego elevarse cuando se inicia otra vuelta a la circunferencia. Desenlace ligeramente optimista de un global predominantemente pesimista. Goffredo se enamora nuevamente después de un trajín maratónico de sinsabor.

Los 'enamorados' pueden ser jóvenes o mayores, los 'críticos' también son indefinibles en rango etario, así como los "traidores/traicionados" y "abandonados". En fin, las etapas planteadas no son atribuídas para parejas ceñidas a unas mismas caraterísticas, cualquiera está propensa a enamorarse o a sufrir una crisis. A lo que alude Veronesi es a un proceso descendente de la ilusión romántica, en la que nadie se puede volver a enamorar si no ha sido abandonado antes. Floja sustentación fílmica de una disparatada teoría, en la cual se supedita las psicologías amorosas a un proceso de degradación.

La vida de Veronesi no es la vida de los otros... Sus malas experiencias pueden haberle llevado por un aumento progresivo de desdicha, pero plantear linealidad y etapas indisolubles a un sentimiento indefinible es lo que mejor corresponde a un prejuicioso desaforado.

LITTLE CHILDREN (2006)

de Todd Field

Kate Winslet (Sarah Pierce), Patrick Wilson (Brad Adamson), Noah Emmerich (Larry Hedges), Jackie Earle Haley (Ronnie McGorvey)

En un ejercicio de redundancia audiovisual, explicativa y sabelotodo, una ubícua voz off narra los sentimientos más profundos de los personajes mostrados en imagen, subestimando a la gesticulación e histrionismo actoral, como si estos no fueran elementos expresivos suficientes para connotar emotividad fidedigna. Todd Field parece temer a la tergiversación de la esencia base de la novela homónima de Tom Perrotta, quien como co-guionista parece haber influenciado sobremanera en el acabado, o que la desconfianza de su capacidad como artesano visual le haya hecho obtar por el camino más sencillo, el de la descripción detallada facilista; pues el uso de la palabra off prepondera al de la imagen en los momentos más reflexivos, se describe la conciencia de los personajes en vez de mostrar la acción ('limpia') presta a interpretación y entendimiento, manera que hubiera producido mejores resultados por el peso nostálgico que imprime el silencio. En la película, la literatura usurpa el espacio del cine como intento vano de intensificar el melodrama, además de hacerlo más explícito e intelegible. Todas esas modulaciones resultaron contraproducentes, pues provocaron un ejemplo más de adaptaciones literarias fallidas en el cine. La imagen muestra y la voz explica, subestima al espectador. Little children, la película, es errática por su cobardía expresiva.

El relato no deja de proponer una perspectiva interesante: la del adulto que sigue siendo niño por la no consumación de su ideal primario, por la postergación de sus objetivos más elementales; frustración que no los deja crecer ni terminar de conocerse. Woodward court es el pueblo que alberga las historias a entrecruzarse entre una mujer antropóloga camuflada en ese pequeño pueblo conservador y aburrido; un joven padre que no consigue graduarse por su desidia para esa empresa; un ex-policía obsesionado con la vigilancia de un frágil individuo para -según él- salvaguardar al pueblo; y un pedófilo flacuchento (el frágil individuo), custodiado por su vieja madre, impotente ante sus instintos perturbados. Ese perfil de los personajes sugiere un drama existencialista y exigente, lo que la convierte en una iniciativa de lo más apreciable, pero su desarrollo estereotipado atonta la propuesta, dándosele mayor cabida al drama pasional entre Sarah (la antropóloga) y Brad (el joven padre), que a las potencialmente más atractivas historias del pedófilo y su obsesivo perseguidor, además del poco tino del realizador para fragmentar los cuatro casos proporcionalmente, ya que para la conclusión confluyen como ejemplos en el discurso redentor final. No hubiera problema si a Ronnie y a Larry se les tratara como lo que son: personajes secuendarios, que apoyan al desarrollo progresivo de la acción central; pero no es así, pues sus dramas no competen al de la pareja protagonista, son conflictos apartes y distantes, desdeñados y desperdiciados, interruptores e impertinentes para el film que Field propone al contar con Sarah y Brad como base protagónica.

A pesar de ese problema estructural las actuaciones son, por amplio margen, lo mejor del film. Jackie Earl Haley (Ronnie) transmite sumisión e impotencia, su rostro expresivo y alicaído perturba y conmueve por partes iguales. No puede hacer nada contra lo que ya se cimentó en su sicología -para los pacatos- perversa. Él sabe que su actitud no es aceptada por la sociedad, por eso se autoproclama imcompetente para la 'normalidad' amorosa, la cual prueba sin encontrar satisfacción alguna. Winslet como mujer en proceso de redescubrimiento pasional convence, de igual modo que Wilson (Brad), quien no desentona.

Little children apela al dilema de la madurez, así como el de la experiencia dadora de nuevas emociones y anhelos; marca el mensaje de arrepentimiento de las euforías mal llevadas, del desconocimiento de todas nuestras necesidades hasta que nos topamos con alguien que nos las ofrece. Es un cuento de reflexión y conciencia. Lástima que Field (in)utilizó esos elementos para intentar motivarnos con un frenesí de infieles aniñados.

TREN DE SOMBRAS 8 EN EL RUEDO

José Carlos Cabrejo, editor de la revista, envía la nota de prensa de la octava edición de "Tren de Sombras", en el cual entre varios datos informa los puntos de venta de este último número más su nuevo precio que es de S/10.

Desde hace algunas semanas, y después de su exitosa presentación en el último Festival de Lima, la octava edición de la revista de cine “Tren de Sombras”, de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP se encuentra a la venta en las principales librerías de la capital.

Este número está principalmente dedicado al cine de animación, a propósito del éxito de películas como “Los Simpson” y “Los Transformers”. Nos aproximamos a ese cine desde distintos enfoques: las técnicas; el Disney clásico; “Shrek” y la animación norteamericana contemporánea, Hayao Miyazaki y el anime; Tim Burton, David Lynch y la animación de autor: las adaptaciones de dibujos animados de TV al cine; y un largo etcétera. Asimismo, “Los Simpson” es objeto de un artículo sobre los guiños cinéfilos de la serie, mientras que “Los Transformers” de un texto sobre las coincidencias mitológicas de este programa infantil de los ochenta con la saga de “La Guerra de las Galaxias”.

Por otro lado, presentamos un especial sobre la relación de los literatos con el cine, a raíz de la muerte de dos poetas entrañables: Pablo Guevara y José Watanabe. Del primero, publicamos una semblanza, revelando su relación con el cine; una entrevista a Hanne Borup, su esposa; un artículo sobre los cortos que realizó para la PUCP; y el fragmento de un ensayo que hizo para la desaparecida revista “Hablemos de cine” sobre Joseph Mankiewicz. Del segundo, publicamos un texto que establece las diferencias de su obra literaria con sus trabajos como guionista en películas como “Maruja en el infierno” y “La ciudad y los perros”. Este especial se prolonga con ensayos y artículos que ahondan en la relación que literatos como César Vallejo, Julio Cortázar, Guillermo Cabrera Infante, Bertolt Brecht o Stephen King han tenido con el séptimo arte.

Asimismo, la última edición de “Tren de Sombras” incluye un ensayo sobre la “imperfección” en la factura de las películas que se hacen en los Andes peruanos; otro sobre la mirada de “Apocalypto” de Mel Gibson y “El nuevo mundo” de Terrence Malick hacia los personajes nativos; un análisis de la figura de la masculinidad en películas protagonizadas o dirigidas por Clint Eastwood; entre otros contenidos.

“Tren de Sombras”, como siempre a color, posee en sus cincuenta y dos páginas la pluma de los más importantes críticos veteranos y jóvenes del medio. Su nuevo precio es de diez soles.

Está a la venta en las siguientes librerías:

- Crisol (Óvalo Gutiérrez, Jockey Plaza, Primavera Park Plaza y San Miguel)
- La Tertulia (CCPUCP)
- Época
- La Casa Verde
- Íbero (Óvalo de Miraflores y Larcomar)
- El Virrey
- Libun
- Guamán Poma de Ayala
- Cinematógrafo de Barranco
- Librería del campus de la PUCP.

Contacto: José Carlos Cabrejo, editor. Teléfonos: 2791530 / 99741138. E-mail: jcabrejo@pucp.edu.pe

Aprovecho para informar que pronto postearé mis apreciaciones y comentarios sobre los principales medios difusores de la cinefilia peruana (revistas y blogs). En el caso de los blogs se hará semanalmente, y en el caso de las revistas a la brevedad posible tras sus respectivas publicaciones. Éste será un quehacer permamente a partir de su primera emisión. Saludos...

BLOGGER FIGURETTI

Últimamente estoy apareciendo en cada blog en el que me he propuesto figurar.

Primero: José Sarmiento -mi pata- me ofreció redactar en su leído blog (pequenoscinerastas. wordpress.com); sin pensarlo demasiado accedí a su atrayente propuesta. Ahora como 'cinerasta' mi opinión sobre obras cinematográficas está en exposición para la masa cinéfila limeña, peruana, subterránea, continental, etc. Agradecido y complacido actualmente en esas estoy.

Segundo y tercero: ofrecí mis servicios en simultáneo a los reconocidos blogs Páginas del diario de Satán y La cinefilia no es patriota. Mi reseña de The fountain, de Darren Aronofsky, fue mi propuesta para ambos sites. Para mi sorpresa, en ambos respetables blogs fue aceptada mi humilde reseña; como consecuencia, mi firma dice presente tanto en 'Páginas' como en 'Lacinefilia'.

(Nuevamente resalto) Blogs en los que colaboro:

- TAMBIÉN LOS CINERASTAS EMPEZARON PEQUEÑOS (pequenoscinerastas.wordpress.com)

-PÁGINAS EN EL DIARIO DE SATÁN (paginasdeldiariodesatan.blogspot.com)

Próximamente:

-LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA (lacinefilianoespatriota.blogspot.com)

"Estoy medianamente satisfecho con mi trabajo hasta el momento. Las fallas horrorosas que he cometido espero perfeccionarlas en mis siguientes artículos

Saludos... y ¡gracias!"

LA PERUCHA BLOGSFERA CINÉFILA

Muchos blogs nacionales de cine circulan en la web. Sólo algunos reciben mi visita obligatoria diaria para chequear sus contenidos -no siempre- cinéfilos. Explicaré brevemente sus atractivos y defectos existentes a mi humilde parecer:

CINENCUENTRO (www.cinencuentro.com): Noticiario farandulero-cinéfilo. El medio más visitado y conocido en lo que a cine se refiere de nuestro medio. Existen muchos post de información innecesaria como también de mucho interés. Es el site con mayor cantidad de colaboradores. Página web del divertimento cinéfilo.

PÁGINAS DEL DIARIO DE SATÁN (paginasdeldiariodesatan.blogspot.com): Blog cuyo editor es el crítico más mediático de nuestro medio, Ricardo Bedoya, en el cual se tratan "temas de actualidad que merecen ser discutidos" como dice el propio editor. Espacio 'más profesional' donde firman muchos de los críticos más expertos del medio, y en el cual se generan 'pleitos' (en su mayoría) alturados por divergencias entre personas conocedoras del asunto tratado. Su periodicidad es irregular, pero no tan esporádica.

TAMBIÉN LOS CINERASTAS EMPEZARON PEQUEÑOS (pequenoscinerastas.wordpress.com): Blog de periodicidad semanal en el cual se muestran críticas, artículos y ensayos urdidos -en su mayoría- por jóvenes exponentes en el ejercicio de la crítica. Atina en mayor grado que desatina a la hora de elegir los post a publicarse.

LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA (lacinefilianoespatriota.blogspot.com): Magazine virtual de cine entre otros temas afines. Espacio protagonista de diversas polémicas no siempre relacionadas con el sétimo arte -¡qué huachafo!-, lo que le ha ganado una cuestionable fama. A pesar de su ligereza expresiva es un medio importante en el movimiento cinéfilo, pues también ha sido emisor de varios artículos interesantes y provechosos.

*Interesantes:

LA TETONA DE FELLINI (tetonadefellini.blogspot.com): site enemigo de la difusión verbal de blockbusters. El lenguaje coloquial empleado -por Mego- lo hace un blog distraído a la vez de personal. Su discontinuidad periódica es avalada por buenos artículos que justifican la espera dilatada.

LA VENTANA INDISCRETA U.LIMA (fresno.ulima.edu.pe/sf/sf5500_bd002.nsf/default/): despreocupado espacio de la U. de Lima relativo a su cineclub. Postea esporádicamente, carece de celo para su realización, aunque su principal función es cumplida al difundir la programación de la sala. Últimamente presenta mejoras en el llenado de sus bloques, lo cual facilita su visita.

EL GLAMOUR DE MARGO (elglamourdemargo.blogspot.com): personal blog de Leny Fernández, la cual habla de sus películas clásicas preferidas, más uno que otro post informativo. El más irregular en periodicidad de los antes mencionados.

EXPERIENCIAS CON Y EN EL CINE VI

El estreno comercial de The fountain es todo un suceso para la cartelera local, pues tras una larga espera (1 año aprox. desde su primera proyección en el Festival de Venecia 2006) ha llegado a nuestro medio -aunque sólo se exhibe en los multicines UVK- presidido de diversos comentarios (extremistas en lo positivo y en lo negativo) que alimentan la expectativa del filme. Tras su visionado puedo recomendarla con toda confianza si se quiere experimentar personalidad, pasión y entrega en un film, mostradas en cada toma y parlamento. Se dice, en lo general, que Hollywood atraviesa por una crisis creativa desde hace ya un buen tiempo, pero siempre se formulan excepciones aislables a esos prejuicios, obras que exceptuan esas premisas generalizadoras; el romanticismo de Aronofsky con su película más personal le concede esa exclusión.

- Mi experiencia data del 1 de octubre, día (lunes) con el horario más asfixiante de mi siempre aburrida semana: trabajo de medio tiempo por las mañanas, clases académicas indeseadas por las tardes y actividades soporíferas en casa por las noches; dejando como remanente a las cansadas horas de inicio de la madrugada, donde la voluntad intenta -muchas veces cin éxito- vencer al sueño. Todo ese bosquejo de sosa cotidianeidad fue quebrado ese primer día del mes, en que me propuse visionar la última película de Aronofsky acompañado de mi amada prestamista. Estaba todo fríamente calculado, como diría un antenudo superhéroe colorado:

A las 14.00 horas, tras salir de mi cento de labores en el Óvalo Gutierrez, Miraflores, estaría siendo esperado por mi compañera sentimental (con dinero en mano) para enrrumbarnos hacia el UVK de Marina Park, San Miguel -el más barato- y coger tickets para la función de las 16.00 h. El bus con ruta directa hacia la Av. La Marina fue a prisa, lo que nos permitió llegar 30 min. antes de la función. Eso nos dio tiempo suficiente para abastacernos de snacks y bebidas, además de temperar el cojín de la butaca en pro de un placentero visionado... La película estaba a punto de empezar y sólo el 3% de la capacidad de la sala estaba ocupada. Ni vuelta que darle, la sala 6 del UVK de Marinapark se convirtió en mi sala personal, en la cual nada interfería entre mi visión y el ecran, ni cabezas ni sombras ni celulares.

El cine me causa sensaciones nunca antes vividas en todo sentido, como en esta ocasión el de la frustración potencialmente evitable. Explico: Antes de la función no había podido almorzar por la prisa que tuvimos para llegar a tiempo, motivo por el cual 'invertí' dinero para comprar piqueos y sodas, y así contener mi apetito. No había contado con lo bulliciosas que suelen ser esas bolsas con el mínimo contacto, por eso una sala de cine no es propicia para su consumo. Cada vez que me disponía a coger la bolsa un molesto sonido reforzado con eco se hacía sentir, lo que provocaba mi acción en el instante. Resignado soporté el hambre, más los goteos salivales en mi vacío estómago durante todo el film... Ya fuera del establecimiento devoré, literalmente, las dos bolsas que había adquirido en la previa, más como acto de catarsis que como calmante de apetito. Estaba claro, lección aprendida: "No llevar bolsas a las salas, pues su molesto sonido se convierte en un soundtrack in live indeseado".

La leccción aprendida nro. 1 es la mencionada líneas arriba, la segunda es el conmovedor celo de Aronofsky para con su trabajo; actitud siempre bienvenida en un artista. Más allá de no ser un gran film, The fountain consuma a su realizador como un simpático referente del Hollywood 'de autor'.

ANIMAGYC 2007 - III FESTIVAL DE CINE DE ANIMACIÓN

14 al 17 de Noviembre

II CONCURSO ANDINO DE ANIMACIÓN

BASES

1. Lugar y fecha

El II Concurso Andino de Animación se realizará en el marco del Animagyc 2007 – III Festival
Internacional de Animación, en la ciudad de Lima, Perú, del miércoles 14 al sábado 17 de
noviembre de 2007.

2. Objetivos

a. Fortalecer el espacio de exhibición y competencia de la animación cinematográfica peruana y
andina.
b. Afianzar la relación del público aficionado a la animación con la producción local y regional.

3. Sección Competitiva del Festival

Animagyc 2007 tendrá una sección competitiva:

3.1. Sección Oficial Competitiva: II Concurso Andino de Animación

Se admitirán a concurso todas las películas de cortometraje que tengan una duración de hasta
30 minutos, de carácter independiente, realizadas en cualquier técnica de animación. Podrán
concurrir a ella todos los productores y/o directores residentes en cualquiera de los países
miembros de la Comunidad Andina, que presenten películas a concurso, cuya fecha de
producción sea posterior al 1 de enero de 2005 y no se hayan presentado con anterioridad a
este concurso.

4. Condiciones de inscripción

a. Podrán participar en la Sección Oficial Competitiva todos los productores o realizadores que
posean los derechos sobre las obras que presentan.
b. Cada realizador y/o productor podrá presentar el número de películas que estime
conveniente, cada una con su respectiva ficha de inscripción.
c. Las obras se presentarán en su idioma original.
d. Las películas presentadas deben estar producidas con posterioridad al 1 de enero de 2005.
e. El Comité de Selección desestimará automáticamente los envíos que no cumplan los
requisitos.

5. Inscripción

La inscripción se realizará desde el lunes 27 de agosto hasta el lunes 29 de octubre de 2007,
enviando por e–mail la ficha de inscripción electrónica a: concurso.animagyc@gmail.com con
los siguientes elementos:

En el caso de las obras hechas en otro idioma, listado de los diálogos originales traducidos al
castellano (fundamental).

Fotografía del director o los directores (fundamental).

Dos fotografías de la película y sinopsis (máximo 3 líneas).

Biofilmografía del director (máximo 6 líneas).

Toda esta documentación es imprescindible para participar en la Sección Oficial Competitiva.
Además, se hará el envío de 2 copias de la obra, una en formato DVD (zona 4) y otra en
cassette Mini DV, a la siguiente dirección:

Animagyc 2007
Calle Toribio Pacheco 211, piso 2
Miraflores – Lima 18, Perú
En el exterior del sobre deberá figurar el título, el director, la duración en minutos y el nombre
del festival, Animagyc 2007.
Una vez efectuada la inscripción de una película, no podrá ser retirada.

6. Selección

Un comité formado por profesionales del medio y miembros del comité organizador, se
encargará de seleccionar las películas que participarán en el Festival entre todas las recibidas
por la organización. La decisión se comunicará a medida que el material vaya siendo recibido, y
hasta el 31 de octubre de 2007.

La Dirección del Festival establecerá el orden y la fecha de exhibición de cada película,
reservándose el derecho de proyectarla, durante las fechas del evento, en cualquiera de sus
sedes.

Los participantes autorizan a la organización el uso de extractos de las películas para su
difusión en cualquier medio de comunicación con el fin de promover el Festival.
Asimismo, la organización podrá utilizar fotografías de las películas como publicidad en los
diversos medios de comunicación, así como para la elaboración del catálogo del Festival.

7. Premios

Entre las películas seleccionadas para la Sección Oficial Competitiva, el jurado, conformado por
profesionales del medio cinematográfico y cultural, decidirá el otorgamiento de los siguientes
premios oficiales:

Primer Puesto: premio Autodesk y diploma.
Segundo Puesto: premio Autodesk y diploma.
Premio del Público: premio Autodesk y diploma.
Las decisiones del Jurado son inapelables.

8. Envío y devolución de copias

Los gastos de envío de las copias serán por cuenta de los participantes.
a. Las copias en formato DVD para la inscripción no se devolverán y pasarán a formar parte del
archivo del Festival.
b. Las copias en formato Mini DV podrán ser recogidas por sus autores.
c. Las decisiones del Comité de Selección son inapelables.

9. Aceptación de las bases

La participación en Animagyc 2007 implica la aceptación de todos los apartados de las
presentes Bases, así como la resolución, por parte de la organización, de cualquier problema no
previsto en ellas.

www.animagyc.net

THE FOUNTAIN (2006)

de Darren Aronofsky

Hugh Jackman (Dr. Tomas Creo) Rachel Weisz (Izzy Creo/Queen Isabel)

The fountain es una oda (audiovisual) a la infinita motivación y alcance del amor... Es una historia básicamente típica narrada de manera atípica, en la que un hombre enamorado trata de encontrar la fórmula curativa para el cáncer de la mujer que ama. Premisa que Aronofsky utiliza para urdir su más personal trabajo, su visión compleja del amor como provocador de conflictos inconciliables entre las pasiones humanas y la naturaleza mortuoria. QUÉ les hace, hizo y hará esa situación límite en sus conciencias será más importante para el film que el logro que sería la obtención de la cura, pues Aronofsky no propone un melodrama convencional, sino uno tan reflexivo como pomposo en su propuesta visual.

La historia del presente, llamémosle BASE, es la motivadora para la creación de dos líneas ficticias atemporales (secuencias), mal llamadas pasado (¿s.XVI?) y futuro (¿s.XXVI?). La primera descrita por la inconclusa prosa fantástica épica de Izzy llamada 'The fountain', ambientada en el s. XVI en una América recién descubierta, en la cual combina su afición por la astronomía maya con el dilema pasional de su hombre (Tom), retratando allí su perspectiva de la situación. La segunda es un mundo onírico entendido como la introspección de Tom en condición de orador budista, donde se presencia su ascensión a Xibalbá (inframundo maya), junto a un moribundo árbol como representación de Izzy en un reducido terreno de límites circulares transparentes, un globo. La animosidad de Tom en ese contexto surreal -seudo futurista- responde a su semblante en el contexto BASE, todo lo visto en el globo es un código figurativo de algo existente en la 'realidad': su mujer es un árbol potencialmente inmortal; su ansiedad y hermetismo denotan su estado ermitaño; el exterior del globo es la posibilidad latente de la inmortalidad para ambos, y la estrella dorada (Xibalbá) la concresión de ese objetivo. Un paquete análogo (mujer/amor : árbol/inmortalidad) entre elementos reales de la BASE y la representación metafórica de la conciencia de Tom, quien no hará nada que no involucre a Izzy como motivación de sus actos... Ambas secuencias , 's. XVI' y 's. XXVI', afectan en nada el desarrollo progresivo de la historia. Lo que suceda en el relato de Izzy o en el globo auto-opresor de Tom son sólo agregados efectistas para que Aronofsky personalice su obra como unidad expresiva.

The fountain impresiona por su puesta en escena sombría y contrastante en lo fotográfico, lo dorado y lo lóbrego son los ambientadores del film en lo cromático; a raíz de eso se plantea un relato lúgubre y misterioso, de una majestuosidad potencial que se revela en las tomas referidas al logro próximo a consumarse. The fountain esboza fatalidad desde la primera toma, la banda sonora es inquietante y siniestra, intrigante y suspensiva, tanto en la música ambiental como en la dicción de los parlamentos. Weisz imposta una voz sufrida y decadente, Jackman desesperación y ansiedad en su tono al hablar. Los personajes son los sostenedores claves de la trama, en ellos se confía la película para lograrse. Aronofsky se centra en los sentimientos profundos provocados por la vivencia comprometedora de la pareja, en la emisión de sus psicologías a través de la introspección meditadora de Tom (contexto surreal), asimismo en la escritura de una Izzy consumada en su dolor superado (contexto s.XVI)... Sobresale, también, su timing distraído, así como el tino del realizador para hacer intelegible la discontinuidad narrativa muchas veces desconcertante y abrumadora. Los saltos de secuencias y contextos son fácilmente perceptibles y asimilables porque la narración es lineal, relativa a la emoción que se está viviendo. Ejemplo: si en la BASE invade la angustia, en el contexto onírico ('s.XXVI') o ficcional (s.XVI) invadirá también esa emoción para continuar en el mismo ritmo y acción dramática, evitando así cambios abruptos desconcertantes y buscapleitos. Si Tom se angustia por su éxito frustrado en la búsqueda de la fórmula curativa, en el globo se mostrará frustrado porque se encuentra lejos de Xibalbá (analogía Éxito:Xibalbá)

Aronofsky le regala a Hugh Jackman su papel más emotivo hasta la fecha, además de establecer como musa intemporal a Rachel Weisz, cuya imagen motivadora es más fuerte que el personaje mismo. The fountain es arriesgada porque es sumamente personal, y es bien sabido que el Gran público no es predispuesto a recibir testimonios íntimos y desaforados con los brazos abiertos, menos aún si estos testimonios tienen cáscara taquillera, tan superflua como formulista. Aronofsky demuestra ser un apasionado desinhibido al pergeñar un film en el cual se explaya sobre las impresiones diversas de un amor sometido a un final previsible. The fountain posee casi todas las características de un blockbuster avasallador, exceptuando la banalidad característica...